Dei miei progetti irrealizzati & di qualcos’altro

In due miei vecchi post – vedi QUI e QUI – avevo scritto d’un tema che mi ha sempre affascinato, quello dei progetti cinematografici/musicali irrealizzati. E’ un po’ il tema del what if, per dirla all’americana, ovvero del che cosa sarebbe successo se. A tal proposito mi ha toccato un’immagine che ho trovato per caso sul web, un disegno in cui Ayrton Senna esce illeso, sollevandosi con le sue stesse gambe, dal relitto della sua monoposto, dopo lo schianto alla curva del Tamburello in quel fatale 1° maggio 1994. Ieri è stato appunto il venticinquesimo anniversario della morte del grande campione di formula 1 brasiliano e, frugando un po’ in rete, mi sono imbattuto in quella immagine che tuttavia preferisco non riportare qui.

Che cosa sarebbe successo se… il campo delle ipotesi è qualcosa di potenzialmente infinito, se ne potrebbe scrivere una storia parallela per ogni fatto di questo mondo. Nel mio piccolo, anch’io – come credo tutti noi – ho i miei progetti irrealizzati, i miei personali what if, alcuni dei quali relativi a questo modesto blog, e del quale mi premeva parlare quando ho iniziato a scrivere il presente post. Ricollegandomi al post precedente, quello sulle ristampe in vinile degli album di David Sylvian, ad esempio, avrei voluto scrivere di “Gone To Earth”, la prima (e finora unica) di tali ristampe che sono andato allegramente a (ri)comprarmi; ecco, speravo di poterne scrivere qualcosa, ma non il solito post-recensione che caratterizza Immagine Pubblica quanto piuttosto una collezione di foto che avrei fatto a questa nuova edizione di “Gone To Earth” e che avrei postato in bella mostra qui. Ebbene, dopo un paio di scatti non proprio esaltanti ho abbandonato il proposito, relegandolo nel limbo dei progetti irrealizzati relativi a questo blog.

Anche l’aggiornare i primi due post summenzionati rientra nel campo in oggetto: continuamente sento parlare d’un regista che avrebbe dovuto girare un film ma che alla fine è stato sostituito da qualcun altro, d’un gruppo che avrebbe dovuto comporre la colonna sonora d’una pellicola che poi è stata realizzata da ben altro compositore, eccetera. Insomma, di materiale per revisionare e/o aggiornate questi miei vecchi scritti ce ne sarebbe un bel po’. Eppure prevale l’ignavia, quella mia indolenza così tipica di noi meridionali, o forse manca una reale ispirazione. Mi capita spesso di avere quelle che reputo delle buone idee per scrivere un post qui ma che, al momento dell’accendersi del computer dal quale sto scrivendo adesso, ho già ridimensionato, se non eliminato del tutto. Insomma, all’atto pratico, forse, quella mia idea non era poi così tanto buona. Forse avrei bisogno d’un coautore, d’un collaboratore. Di questi tempi, mi accontenterei anche di una brava segretaria.

E qui siamo alle prese con un altro dei miei progetti irrealizzati relativi a questo blog; forse, più che un progetto più o meno fattibile, è se non altro una mia vecchia fantasticheria, ovvero l’aprire Immagine Pubblica ad altri autori. Sì, insomma, non mi dispiacerebbe se questo blog emettesse una voce che non sia soltanto la mia, ecco. Potrebbe andare avanti col contributo di qualcun altro anche quando a me sembra – e la cosa mi capita sempre più spesso, in effetti – di non avere più molto altro da scrivere. Potrebbe essere questo post un modo per chiedere a qualche lettore col pallino delle recensioni musicali/cinematografiche o anche libresche che non abbia intenzione d’aprirsi un sito tutto suo di scrivere qualcosa qui? Massì, dài. Vediamo un po’ che succede. What if.

Matteo Aceto

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David Sylvian, un interesse per me immutato: e ritornano i vinili 1984-1991

David Sylvian 60 anni, vinili 2019Uno dei pochi autori pop che non m’annoiano, anzi, uno dei pochi a sembrarmi più rilevante col passare degli anni, David Sylvian, compirà sessantuno anni il 23 febbraio. Per l’occasione, la Universal – che già da qualche anno aveva acquisito gran parte del catalogo storico dell’artista inglese – distribuirà attorno a quella data nuove stampe in vinile degli album “Brilliant Trees” (1984), “Alchemy – An Index Of Possibilities” (1985), “Gone To Earth” (1986) e “Secrets Of The Beehive” (1987), mentre per quanto riguarda il collaborativo “Rain Tree Crow” (1991) si dovrà aspettare il 29 marzo.

Stando alla pagina facebook ufficiale di David Sylvian, e precisamente in un post dello scorso 12 dicembre, avremo delle “deluxe vinyl release” disponibili “for the first time on 180gram vinyl” e caratterizzate da una nuova e per molti aspetti inedita veste grafica. Nello specifico, per quanto riguarda “Brilliant Trees”, l’album “is now housed  in a gatefold sleeve with a printed inner bag and comes with a download card”. Per quanto riguarda invece “Alchemy – An Index Of Possibilities”, un album che la pagina in questione definisce “intermedio” e “formato da due progetti del 1985 completamente separati”, lo stesso post cita un “brand new artwork, photographs by Yuka Fujii, design by Chris Bigg, and a download card”. Questi ultimi tre aspetti, ovvero l’operato della Fujii e di Bigg e quindi il voucher per scaricarsi in mp3 il contenuto audio del vinile, valgono anche per il doppio “Gone To Earth”. Discorso leggermente diverso per “Secrets Of The Beehive”, il quale disporrà di un “new artwork based on Nigel Grierson’s original photographs, redesigned by Chris Bigg, housed in a gatefold sleeve with a printed inner bag”, oltre all’immancabile download card.

Non sappiamo ancora molto, infine, su che tipo di ristampa di “Rain Tree Crow” potremo avere fra le mani alla fine di marzo; sappiamo tuttavia che l’album “Dead Bees On A Cake” (1999), ristampato nell’ottobre 2018 e già sold out, tornerà nei negozi il 30 novembre, sempre in doppio vinile e sempre con la seguente scaletta “expanded” della quale abbiamo parlato anche QUI: Side A (1 I Surrender, 2 The Scent of Magnolia, 3 Dobro #1, 4 Midnight Sun), Side B (1 Cover Me With Flowers, 2 Krishna Blue, 3 Albuquerque (Dobro #6)), Side C (1 Thalheim, 2 Alphabet Angel, 3 God Man, 4 Café Europa, 5 Aparna and Nimisha (Dobro #5), 6 Pollen Path), Side D (1 The Shining Of Things, 2 Wanderlust, 3 All Of My Mother’s Names, 4 Praise, 5 Darkest Dreaming).

Insomma, per quanto mi riguarda, si tratta di una bella operazione di riscoperta e di rivalorizzazione del catalogo d’un grande artista, uno dei pochi personaggi “pop” a poter vantare davvero un così prestigioso appellativo. Tuttavia, contrariamente a quanto fece la EMI (il cui catalogo storico è ora nella mani della Warner Bros e della Universal) attorno il 2003, ovvero la riproposizione di tutti gli album di David Sylvian con e senza i Japan del periodo 1980-1991 in ciddì dalle edizioni deluxe con tanto di brani aggiuntivi, queste ristampe viniliche 2019 non dovrebbero contemplare brani aggiuntivi. La cosa non è però piaciuta, a giudicare dai commenti facebookiani, a diversi fan di David Sylvian, così come non tutti hanno gradito la scelta del nuovo artwork che interesserà ogni album del nostro. In un post del 14 dicembre 2018, lo stesso David Sylvian è voluto tornare su un punto evidentemente criticato dai “fans” ma che altrettanto evidentemente è invece a lui molto caro: “As the original art for my albums had been lost/destroyed on its journey from one label’s stewardship to another, I decided against scanning pristine copies of the original vinyl covers (as Universal did with the recent Japan reissues) and instead create a series that works as a ‘collection’ incorporating new photographic prints and design elements. With no budget, but access to Yuka’s archives and Chris’ design contributions, we feel we’ve created something beautifully expansive as will be evident once the set is seen in its entirety. I was fortunate enough to have retained some of Nigel Grierson’s work for ‘Beehive’ and Shinya Fujiwara provided me with whatever was missing from my personal archive for Rain Tree Crow. Gone To Earth was always going to be the cover that’d prove most contentious to meddle with but I was never personally in awe of the original plus I wanted to keep the series in a uniform monochrome. Nevertheless, if the original artwork had been available for the entire catalogue, I’d have sat this one out. To be haunted by one’s past isn’t as edifying as it might appear (?) As it was, we (mr Bigg, Yuka, myself) attempted to create a series echoing /in-keeping with the recent ‘Dead Bees’ release. We went the extra mile to give something we felt was worthy of our collective effort. It goes without saying, if you own original copies of the albums and you don’t like the approach we’ve taken, you’ve nothing to get bent out of shape about. Feels odd to remind people that purchases aren’t mandatory. As the creator of this body of work I have a personal take on what feels right to me regarding its representation. Although I’m not personally nostalgic, I do generally respect the the bond people make between image and audio (this must surely be the goal of art & design in this context). I’ve attempted to offer something that feels both contemporary whilst being true to the period in question. There’ll be no further involvement on my part in future reissues.”

E ancora: “Should Universal choose to release any of Samadhisound’s catalogue on vinyl, and I’ve requested they do, we have the artwork in place as was. (I believe requests for CD reissues will fall on deaf ears as it’s a dying medium. It would perhaps be of greater interest if hi res files were made available of the entire catalogue. Decisions of this nature fall outside my purview). We poured time and energy into creating something that’s a limited run for a minority audience. I do hope some of you get to enjoy it.”

E questo è quanto. Per ora.

-Matteo Aceto

Tra questo blog e i Beatles, ancora sul tetto

Forse è vero che certe cose non avvengono per caso. Stavo riordinando un po’ i vecchi post di questo modesto blog, che tutto sommato infestano il web dal 2006, valutando quali aggiornare/revisionare, quali far restare così come sono e quali invece cancellare; ebbene, l’ultimo che mi è capitato sott’occhio è stato QUESTO.

Giusto cinquant’anni fa i mitici Beatles tenevano l’ultima esibizione pubblica della loro carriera, nel più insolito dei posti, il tetto dei loro studi alla Apple di Saville Row, a Londra. Giusto dieci anni fa ne scrivevo qualche breve riga qui su Immagine Pubblica, come un mio personale omaggio. E allora come oggi, tali pur brevi righe rappresenta(va)no un modo come un altro di ripartire, di tornare ad aggiornare un blog per il solo gusto di farlo, che è poi quello di scrivere. Il gusto di scrivere, ecco, perché prendere carta & penna e iniziare un diario come s’usava una volta non fa proprio per me. E poi dovrei parlare di me? Io che mi annoio della mia stessa compagnia? Meglio scrivere di musica, di cinema, di libri (che ultimamente ho iniziato a comprare con preoccupante frequenza) e di quello che ci gira intorno. Va meglio così, davvero.

Cinquanta anni fa, i Beatles, sul tetto del mondo, per l’ultima volta. Dieci anni fa, un post su Immagine Pubblica, e non per l’ultima volta.

– Matteo Aceto

Queen, “A Day At The Races”, 1976

queen, a day at the races, immagine pubblica blogTra tutti gli album dei miei amati Queen, “A Day At The Races” resta quello che probabilmente ho ascoltato di meno. Meno d’una decina di volte di sicuro, considerando che ne posseggo una copia in vinile da oltre vent’anni e che nel 2011 ne ho riacquistata un’altra, in formato ciddì (remasterizzata e con brani aggiunti). Eppure niente, quella tra me e questo disco è una storia d’amore mai nata. Come per il formato mp3, insomma. E come per lo sport del calcio, fra le altre cose. Sto divagando, lo so.

“A Day At The Races” non può certo essere considerato un brutto disco, e se non altro contiene una delle canzoni più belle & rappresentative dei Queen, quella Somebody To Love che ormai dovrebbero conoscere anche gli animali domestici. Le altre canzoni, però, il modo in cui sono state incise e perfino la loro sequenza nell’album non mi hanno mai convinto appieno. “A Day At The Races” è per me il classico disco che un fan compra tanto per completare la collezione. Tolta Somebody To Love – che ho comunque sul primo “Greatest Hits” dei Queen – e tolta Tie Your Mother Down – alla quale ho sempre preferito la scatenata versione dal vivo a Wembley nel 1986 – potrei in definitiva anche farmi derubare delle mie due copie di “A Day At The Races” che forse non me ne accorgerei nemmeno.

Seguito un po’ sbiadito di “A Night At The Opera“, col quale condivide titolo (entrambi sono i titoli originali di altrettanti film dei Fratelli Marx) e veste grafica, “A Day At The Races” contiene inoltre quella che considero una delle canzoni più brutte dei Queen, ovvero Drowse, scritta dal batterista Roger Taylor (per me l’autore meno dotato tra i componenti della band, anche se a partire dagli anni Ottanta ha avuto modo di migliorarsi parecchio), mentre brani come You And I e The Millionaire Waltz mi hanno sempre lasciato indifferente. In tutte le altre canzoni ho sempre trovato un qualcosa d’artificioso che, a ben pensarci, mi ha fatto storcere il naso fin dalla prima volta che ho ascoltato questo disco, a metà anni Novanta.

Perfino quella che viene considerata una delle canzoni più belle e suggestive di Freddie Mercury, ovvero You Take My Breath Away (per certi aspetti anticipatrice del “Barcelona” che verrà), non mi ha mai appagato del tutto. Forse è un problema di produzione: con “A Day At The Races”, infatti, per la prima volta un disco dei Queen è stato prodotto da essi stessi, rinunciando a quel Roy Thomas Baker che aveva contribuito non poco al successo di “A Night At The Opera”. Ecco, secondo me i Queen non erano pronti par far tutto da soli; tant’è vero che dopo “A Day At The Races” si autoprodussero il solo “News Of The World” (dal sound più fresco, in effetti) e già con “Jazz” tornarono a chiedere i servigi del buon Baker. In seguito, pur cambiando produttore altre volte, quello della completa autoproduzione fu un esperimento che i Queen non ripeterono più.

Magari potrei aggiungere altro all’oggetto di questo post, il successo in classifica o qualche aneddoto curioso, ma in fondo a che pro? È un disco che ho ascoltato poco, come detto all’inizio, e che non è mai stato di mio gradimento. Resto comunque in attesa spasmodica di “Bohemian Rhapsody“, il biopic sui Queen diretto dal controverso Bryan Singer: uscito in gran parte del mondo ai primi del mese, in Italia verrà distribuito nelle sale a partire dal 29 novembre. In America, nonostante le critiche non sempre positive da parte degli “addetti ai lavori”, il film è già un successo. E tutto questo, c’è da giurarlo, rilancerà in classifica gran parte delle raccolte e degli album dei Queen; magari anche il mio ben poco amato “A Day At The Races”.

-Matteo Aceto

The Beach Boys, “The Smile Sessions”, 2011

the beach boys the smile sessions cofanetto 2011Negli ultimi anni ho tentato diverse volte di scrivere un post decente su uno dei progetti discografici che più mi hanno entusiasmato e colpito, ovvero “Smile” dei Beach Boys, senza tuttavia giungere a qualcosa che io potessi giudicare meritevole di essere pubblicato su questo pur modesto blog dagli esigui lettori.

Il mio caso, iniziato con QUESTO post originariamente scritto nel 2007 e poi con QUESTO, si è aggravato nel giugno 2012, quando in occasione del mio compleanno mi sono auto-regalato il monumentale cofanetto da nove dischi dedicato appunto a “The Smile Sessions” dei Beach Boys, dopo che nel novembre precedente, praticamente il giorno dell’uscita, era andato a comprarmi il relativo doppio ciddì. Quest’ultimo, per intenderci, è la versione ridotta del cofanettone da nove dischi: dopo appena sette mesi, insomma, ne volevo decisamente di più.

Soltanto che, ai fini della scrittura d’un post decente come lamentavo sopra, mi sono perso tra tutto il materiale che Brian Wilson, i Beach Boys e la Capitol mi hanno messo a disposizione così corposamente. Un intero ciddì del cofanettone, per capirci, è dedicato alla creazione d’una sola canzone, la celebre Good Vibrations, forse il più grande hit dei Beach Boys: quella che apparentemente è un’innocua canzonetta, infatti, è stata incisa nel corso di diversi mesi, dopo ore e ore di registrazioni. In quel ciddì da quasi ottanta minuti possiamo infatti ascoltare un’incredibile sintesi dell’evoluzione di Good Vibrations, brano che peraltro era stato originariamente concepito durante le sedute di “Pet Sounds“, sedute che in parte mi ritrovo in un altro magnifico cofanetto dei Beach Boys, “The Pet Sound Sessions” per l’appunto. Mi sono perso, ecco.

Ma del resto ci si perse lo stesso Brian Wilson. Infatti, concettualizzando un album dei Beach Boys le cui canzoni potessero essere registrate in maniera modulare, aggiungendo pezzettini su pezzettini con un taglia & incolla dei nastri necessariamente fatto a mano per quei tempi, il geniale leader della band americana uscì letteralmente di senno, in quel lontano 1967, mentre l’album in questione – ottimisticamente chiamato “Smile” – non vide mai la luce, restando per anni uno dei più famosi progetti discografici irrealizzati di sempre. Il tutto fino al 2011, quindi, quando un Brian Wilson ritornato trionfalmente sulle scene già dalla fine degli anni Ottanta, ha finalmente autorizzato la pubblicazione ufficiale del materiale inciso in quegli anni, 1966-67, per lui tanto fecondi creativamente quanto confusi strategicamente. Tensioni interne alla band, pressioni dei discografici e consumo delle inevitabili droghe hanno poi fatto il resto.

Tutto il mondo di “Smile” racchiuso in nove dischi (tra vinili e compact disc) in un bel box uscito come “The Smile Sessions” nel novembre del 2011 è un oggetto d’arte contemporanea che io ho comprato ormai da molti anni, apprezzato fin da subito e ascoltato sempre con grande intesse, senza tuttavia essere capace di tradurre l’esperienza in un post leggibile. Mi piace pensare che, forse forse, non ci riuscirebbe nemmeno Mike Love.

-Matteo Aceto

Steely Dan, “Gaucho”, 1980

Steely Dan - GauchoQual è il disco più bello degli Steely Dan, “Aja” o “Gaucho”? C’è chi dice “Aja”, in molti, c’è chi dice “Gaucho”, come il sottoscritto. Si tratta a ogni modo di due album superlativi, colmi di grande musica, registrati benissimo e che non hanno perso un solo grammo della loro classe dopo tutti questi anni.

Io scelgo “Gaucho” perché contiene quella che per me è la canzone più bella degli Steely Dan, quella Third World Man che chiude il disco: l’atmosfera sospesa, il canto beffardo di Donald Fagen, lo splendido assolo di chitarra di Larry Carlton (addirittura ripescato dalle sedute di registrazione del ’76, per l’album “The Royal Scam”); tutto è degno di nota in Third World Man, che spesso riascolto una o due volte prima di rimettere il disco nella sua custodia.

In “Gaucho” c’è però anche Hey Nineteen, una delle più irresistibili canzoni degli anni Ottanta, il cui testo – stando alla biografia “Wired” scritta da Bob Woodward – entusiasmava talmente tanto John Belushi che l’attore pensava di farne un film. Anche il brano iniziale di “Gaucho”, il jazzato Babylon Sisters, è assolutamente fantastico, così come il saltellante Time Out Of Mind (nonostante i continui riferimenti all’uso di droghe pesanti, peraltro comune nei testi degli Steely Dan).

E se Glamour Profession e My Rival, infine, restano superbamente indispensabili nell’economia complessiva d’un lavoro come “Gaucho”, la title-track – pur macchiata dall’accusa di plagio da parte di Keith Jarrett, che infatti ottenne di esserne accreditato fra gli autori – resta uno dei momenti più memorabili dell’intera discografia degli Steely Dan. Un album da avere nella propria collezione, insomma, questo “Gaucho”, bello da ascoltare dall’inizio alla fine e a volume ragionevolmente alto.

-Matteo Aceto

The Good, The Bad & The Queen: esce il secondo album per Damon Albarn con Paul Simonon

The Good, The Bad And The Queen, Damon Albarn, Paul SimononE’ notizia di oggi, dopo forse un paio d’anni che si parlava della sua fantomatica registrazione: uscirà il 16 novembre il secondo album di The Good, The Bad & The Queen, la band capitanata da Damon Albarn (voce di Blur e Gorillaz) e formata con il bassista Paul Simonon (The Clash), il chitarrista Simon Tong (The Verve) e il batterista Tony Allen. Album al quale è stato dato il nome di “Merrie Land” e che verrà distribuito in svariati formati, ovvero in ciddì, in doppio vinile e in un “Super Boxset” contenente più che altro qualche gadget curato direttamente da Simonon.

E così, undici anni dopo quello che sembrava un exploit da una botta e via, con peraltro un notevole album eponimo che all’epoca avevo tentato di recensire QUI, questo redivivo quartetto torna sulle scene con un nuovo disco prodotto niente meno che da Tony Visconti, celebre per aver prodotto spesso e volentieri le opere di un certo David Bowie. Formato da undici brani, “Merrie Land” è stato anticipato dal singolo omonimo, Merrie Land, per il quale è stato girato anche il video (vedi QUI).

Singolo che, ad essere sinceri, non mi ha entusiasmato granché, sebbene riesco a sentire la “mano” di Visconti, che resta sempre un bel sentire (e il brano somiglia un po’ ad Ashes To Ashes, fra l’altro). Anche la copertina dell’album – tratta pari pari dal film horror “Incubi Notturni” del 1945 – è tutto fuorché invitante. Memore però del bel disco del 2007, che ancora ho nella mia collezione, tenendo conto del mio amore per i Clash e giudicando con stima il cammino artistico fatto fin qui da Albarn, credo proprio che anche “Merrie Land” farà prima o poi ingresso in casa mia.

-Matteo Aceto

Prince & The Revolution, “Purple Rain”, 1984

Prince, The Revolution, Purple Rain, immagine pubblica blogRitenuto a torto o a ragione il suo capolavoro, “Purple Rain” è senza dubbio l’album che ha fatto di Prince una grande star internazionale, la più splendente stella della musica degli anni Ottanta dopo Michael Jackson.

Prince, all’epoca ventiseienne, con “Purple Rain” divenne pure un divo del cinema: quando si parla oggi d’un disco come questo, infatti, quasi ci si dimentica che tale fortunato album del 1984 è la colonna sonora d’un altrettanto fortunato film. Film che ha avuto un notevole e duraturo impatto nel presentare la figura di Prince al pubblico mondiale. Insomma, piaccia o meno, “Purple Rain” è stato un autentico fenomeno culturale di quegli anni, e forse un post su questo modesto blog non è sufficiente a contenere tutto il discorso. Limitiamoci perciò al disco in quanto tale.

Un disco che, vi dirò subito, mi piace fino a un certo punto; per me il periodo più interessante di Prince è il decennio 1986-96, quello compreso tra gli album “Parade” ed “Emancipation“, per intenderci. Certo, il disco oggetto di questo post contiene Purple Rain, semplicemente una delle canzoni più belle di tutti i tempi, oltre a When Doves Cry, uno dei pezzi più formidabili di quel decennio. Altra gemma presente in “Purple Rain” è The Beautiful Ones, forte di quella che resta la prova vocale più impressionante nella discografia di Prince. Ma l’album contiene anche pezzi come Computer Blue e Darling Nikki che non mi hanno mai detto granché, così come Take Me With U, Baby I’m A Star e I Would Die 4 U, canzoni che per quanto pregevoli mi sembrano assai meno rilevanti che in passato. Resta ancora degna di nota Let’s Go Crazy, col suo sermone iniziale, con tutta la sua grinta rock, con la sua performance di gruppo (“Purple Rain” è accreditato infatti a Prince & The Revolution, il suo gruppo di supporto in quegli anni), sebbene la sua batteria elettronica mi suona oggi alquanto fastidiosa.

In definitiva, per quanto mi riguarda, accanto a momenti grandiosi che tutto sommato bastano a giustificare la presenza d’un disco come “Purple Rain” nella mia collezione, ne trovo altri di dubbio interesse (nonché gusto). Queste mie riserve non hanno tuttavia impedito a “Purple Rain” di vendere copie a milioni, e non hanno impedito al sottoscritto di andarsi a comprare la riedizione deluxe (tre ciddì e un divuddì) di “Purple Rain” pubblicata nel 2017, mentre già da qualche decennio possiede un bel vinile dell’epoca. Dopo tutto, io resto sempre un grande ammiratore del compianto Prince.

-Matteo Aceto

Autunno beatlesiano: nuove ristampe di Paul McCartney in arrivo

paul mccartney, wings, wild life, deluxe, immagine pubblica blogCome abbiamo già visto tra le pagine di questo modesto blog, le uscite dei dischi beatlesiani procedono a go-go: quasi non si fa in tempo a riferire del lussuoso box set che è stato dedicato a “Imagine” di John Lennon (vedi QUI) e di quello di prossima uscita dedicato al “White Album” (vedi invece QUI) – senza contare il nuovo album di Paul McCartney, “Egypt Station”, già sul mercato e già al primo posto della classifica americana – che già dobbiamo riferire della prossima pubblicazione di due ulteriori cofanetti contenenti materiale d’archivio.

Si tratta delle riedizioni deluxe di “Wild Life” (nella foto in alto) e di “Red Rose Speedway”, due album che Paul McCartney incise coi suoi Wings tra il 1971 e il 1973, ristampe peraltro molto attese dai fan, in quanto la riproposizione in grande stile di tutto il catalogo maccartiano procede già da diversi anni e finora questi due classici dischi degli anni Settanta erano mancati all’appello.

Insomma, per quanto riguarda noi fan dei Beatles, tutto questo materiale – seppur graditissimo – sarà un autentico ammazza-conto-corrente; che io ricordi, mai tante uscite relative ai celeberrimi Fab Four si erano sommate tutte insieme. Per quanto mi riguarda, sarò ben felice di mettere le mani sul cofanetto dedicato al “White Album”, rimandando per ora l’acquisto del cofanetto di “Imagine” (anche se ogni giorno che passa sono tentato un po’ di più). Senza poi contare che avrò acquistato il precedente cofanetto dedicato a “Sgt. Pepper” (vedi QUI) non più di sei mesi fa. E se finora ho resistito alla tentazione di comprarmi pure la mia bella copia di “Egypt Station”, l’idea che un bel boxettone di “Red Rose Speedway” (album che comunque manca alla mia collezione) sarà lì ad aspettarmi mi stuzzica parecchio.

Non mi sorprenderebbe, infine, se il prossimo anno – oltre a una probabile riedizione deluxe di “Abbey Road” che quasi sicuramente verrà annunciata da qui a una decina di mesi – saranno replicate simili operazioni anche per quanto concerne alcuni capitoli solistici di George Harrison e Ringo Starr, magari partendo proprio dai loro album più celebrati, “All Things Must Pass” e “Ringo” rispettivamente. Restiamo in attesa di ulteriori sviluppi.

-Matteo Aceto

Donald Fagen, “Kamakiriad”, 1993

donald fagen, kamakiriad, 1993, immagine pubblica blogDopo ben undici anni da “The Nightfly“, anni durante i quali Donald Fagen contribuisce a qualche colonna sonora, a un paio di dischi altrui e si reinventa editorialista per non ricordo più quale rivista newyorkese, nella primavera ’93 esce finalmente “Kamakiriad”, il tanto atteso seguito di quel celebre (e celebrato) album che era stato appunto “The Nightfly”.

In verità, una volta archiviata la sua storia con gli Steely Dan nel 1981, Fagen inizia a mettere su nastro le idee per un possibile secondo album solista già nel 1983: a quell’anno risalirebbe infatti la prima versione di almeno una delle otto canzoni di “Kamakiriad”, ovvero la splendida On The Dunes, mentre del 1985 sarebbe invece una prima Snowbound, altra gemma poi ripescata per “Kamakiriad”. In quest’ultimo caso, inoltre, al fianco di Donald Fagen ci sarebbe già stato Walter Becker, ovvero l’altra metà degli Steely Dan.

Insomma, già a metà anni Ottanta, il brillante duo che si era separato all’indomani della pubblicazione di “Gaucho” era ricostituito e pronto a creare nuove canzoni. Solo che, nel personalissimo universo parallelo di Fagen & Becker, tra il comporre e il dare alle stampe la versione definitiva di un loro brano ci passa uno spazio-tempo che resta tuttora un mistero per la fisica. E così l’atteso seguito di “The Nightfly” finisce per l’arenarsi, complice pure un blocco creativo di Fagen, per sua stessa ammissione.

La realizzazione effettiva di “Kamakiriad” parte quindi nel 1990… soltanto tre annetti ed ecco finalmente il secondo album di Donald Fagen nei negozi, nel maggio 1993, per i tipi della Warner Bros. Il risultato finale vale tanta attesa? No, secondo la maggioranza dei critici, sì secondo il modesto parere del sottoscritto. Se infatti gli manca un brano come I.G.Y., ovvero il debutto col botto di “The Nightfly” – un brano che penso chiunque abbia sentito almeno una volta nella vita – “Kamakiriad” mi sembra un lavoro più omogeneo musicalmente, che ascolto sempre dall’inizio alla fine con gran piacere. Inoltre, aspetto per me sempre apprezzato, “Kamakiriad” ha una resa magnifica se ascoltato mentre si guida: sarà merito anche del concept dell’album stesso, ovvero un retrofuturistico viaggio attraverso l’America che l’alter-ego di Fagen compie a bordo di una macchina chiamata Kamakiri (pare che sia il nome di una sottospecie di mantide, se non ricordo male). E poi, sempre rispetto a “The Nightfly”, questo secondo album di Donald Fagen ha un valore aggiunto che l’altro non ha: la presenza di Walter Becker alla produzione, al basso e alla chitarra, una presenza che si sente eccome. In definitiva, “Kamakiriad” – con quella sua miscela di immediatezza pop, virtuosismo jazz e ritmica funky – potrebbe essere inteso come un disco degli Steely Dan accreditato al solo Fagen (pratica replicata già nel 1994 con “11 Tracks Of Whack”, il primo album solista di Becker, ovviamente prodotto con Fagen. Tutto chiaro, no?).

A parte tutto questo, ovviamente, resta sempre il fatto che un bel disco può essere ritenuto tale solo se vanta belle canzoni: SpringtimeTomorrow’s Girls, Florida Room e le già citate On The Dunes e Snowbound lo sono senz’altro, e forse l’iniziale Trans-Island Skyway e Countermoon non sono molto da meno. Soltanto Teahouse On The Tracks mi convince appena, forse perché non l’avrei messa a chiusura del disco, scegliendo al suo posto la cullante On The Dunes. Pareri personali, ovviamente. Ultimo appunto, infine, sui musicisti che hanno preso parte a “Kamakiriad”, tutti di alto livello com’è tipico degli Steely Dan; agli ottoni, tra i quali spiccano i celebri Randy Brecker e David Tofani, troviamo anche Lou Marini e Alan Rubin, ancora più celebri per essere apparsi nel film “The Blues Brothers” nella band di Dan Aykroyd e John Belushi.

-Matteo Aceto