Queen, “A Kind Of Magic”, 1986

queen-a-kind-of-magic-immagine-pubblica-blogNella prima metà del 1985, la carriera dei Queen era in stallo e forse vi sarebbe rimasta qualche anno se la band inglese non avesse ricevuto due offerte dall’esterno che di fatto la rimise in pista alla grande. Iniziò il cantante Bob Geldof che, in procinto di lanciare l’ormai storico Live Aid, invitò i Queen ad esibirsi sul palco di Wembley, a Londra, per quello che sarà ricordato dagli appassionati rock come il set più eccitante dell’intero programma del Live Aid. Poi seguì il regista Russell Mulcahy, fan dichiarato del gruppo, che invitò i Queen ad occuparsi della colonna sonora del suo primo film, un fantasy chiamato “Highlander”.

E così i nostri si ritrovarono nuovamente assieme in studio nell’autunno del 1985, per preparare la colonna sonora del film: il primo prodotto noto al pubblico fu però una canzone che esulava dal progetto, la rockeggiante One Vision, il cui testo aveva qualche rimando all’ancora fresca esperienza umanitaria del Live Aid. Pubblicata su singolo a novembre, One Vision riportò nei quartieri alti delle classifiche la vena più metallara dei Queen, che qui si producevano in un irresistibile ed epico brano rock. Curiosamente, anche One Vision fece da colonna sonora, per un film d’azione chiamato “Aquila d’Acciaio”.
Il lavoro in studio, comunque, proseguì con rinnovato entusiasmo: se la proposta iniziale di Mulcahy era d’incidere un paio di nuove canzoni per il suo film, i Queen ne registrarono molte di più e contribuirono attivamente anche agli stessi effetti sonori che la pellicola necessitava: ad esempio, c’è una scena in cui il cavallo dell’attore antagonista, il bravissimo Clancy Brown, nitrisce… beh, quel nitrito altro non è che la chitarra di Brian May!

Le canzoni che effettivamente si ascoltano in “Highlander” sono quindi Princes Of The Universe, One Year Of Love, Gimme The Prize, Who Wants To Live Forever, A Dozen Red Roses For My Darling / New York New York e la conclusiva A Kind Of Magic, quasi tutte abbastanza diverse dalle versioni che poi saranno incluse su disco. Sì, perché i Queen decisero infine di non voler pubblicare una semplice colonna sonora – come fecero sei anni prima con “Flash Gordon” – ma, con l’aggiunta di qualche altra nuova canzone, di realizzare un album vero e proprio. Da qui la pubblicazione, nel giugno ’86, di “A Kind Of Magic”, dodicesimo album da studio dei Queen che, come il precedente “The Works” (1984), volò al 1° posto della classifica inglese. In “A Kind Of Magic”, che molti appassionati come il sottoscritto considerano il miglior album dei Queen realizzato negli anni Ottanta, trovano posto nove canzoni, fra cui One Vision e cinque originariamente concepite come colonna sonora di “Highlander”. Ma ora vediamole brevemente una ad una.

1) Si parte proprio col rock ruggente di One Vision, qui in una versione più lunga (e più esaltante) di quella pubblicata su singolo. E’ una composizione accreditata a tutti e quattro i componenti del gruppo, anticipando ciò che sarà una norma nei due restanti album da studio dei Queen, “The Miracle” (1989) e “Innuendo” (1991).

2) Segue la ben più famosa A Kind Of Magic, sorta di danzereccio pop-rock pubblicato su singolo a marzo, da sempre una delle mie canzoni preferite dei Queen. La versione di A Kind Of Magic presente in “Highlander”, che ha il compito di musicare i titoli di coda del film, è molto diversa da questo noto hit: è più lenta e, sebbene sia meno rifinita nell’arrangiamento, è ben più epica. Anche se accreditata al solo Roger Taylor, il batterista dei Queen, nella versione più nota inserita nell’album risalta l’eccellente opera di riarrangiamento effettuata dall’indimenticato Freddie Mercury.

3) One Year Of Love, presente anch’essa nel film, è invece una romantica ballata scritta da John Deacon, il mite bassista del gruppo. A parte l’appassionata prestazione vocale di Mercury, spicca in questa canzone l’assolo di sax di Steve Gregory, che è lo stesso che suona il celebre assolo in Careless Whisper di George Michael.

4) Il pop pulsante di Pain Is So Close To Pleasure, opera del duo Mercury-Deacon, è uno dei momenti più leggeri e melodici del disco, caratterizzato soprattutto dall’alta tonalità in falsetto di Freddie. In qualche Paese, Pain Is So Close To Pleasure è stata anche pubblicata su singolo.

5) Poi è la volta d’un’altra canzone molto famosa, Friends Will Be Friends, altra creazione Mercury-Deacon: una melodica ballata pop-rock, tipica dello stile dei Queen e pubblicata anche come terzo singolo, che tuttavia col tempo mi ha un po’ stancato. Insomma, se devo pensare ai Queen, non mi viene certamente in mente Friends Will Be Friends.

6) Segue un’altra celeberrima opera dei nostri, Who Wants To Live Forever, atmosferica ballata sinfonica dove la musica dei Queen (pare che però Deacon non vi abbia suonato) è accompagnata dall’orchestra diretta dal noto Michael Kamen (al lavoro con molti altri idoli pop-rock, da Bryan Adams ai Metallica, anche sarà ricordato come il direttore d’orchestra del floydiano “The Wall”). La toccante & drammatica Who Wants To Live Forever, tema centrale di “Highlander”, è anch’essa diversa da quanto ascoltiamo nel film e su disco: nel primo viene interamente cantata da Freddie Mercury, nel secondo l’introduzione, parte del bridge e la frase conclusiva sono invece cantate dal suo autore, Brian May.

7) Ancora Brian, in grande spolvero, è l’autore del brano più metallaro dei Queen, Gimme The Prize, che canta il punto di vista del Kurgan, il tosto avversario del protagonista del film, Christopher Lambert (nel mix della canzone si possono sentire anche diversi effetti audio del film). Il brano, dal massiccio andamento medio-lento, è uno schiacciasassi dove ad una grande perizia tecnico-espressiva di May si accosta la voce più urlante e cattiva che Mercury abbia mai messo su nastro. In seguito, lo stesso Mercury e John Deacon non hanno fatto mistero di non amare questa canzone.

8) Basata su A Dozen Red Roses For My Darling, uno pseudo techno strumentale che Roger Taylor ha composto per alcune sequenze del film (è stato pubblicato anche sul lato B del singolo A Kind Of Magic), Don’t Lose Your Head è un altro brano tosto, sebbene dalle tonalità più elettroniche. Interessante per l’utilizzo delle parti vocali – solista e cori per Freddie, distorte per Roger e d’abbellimento per Joan Armatrading, Don’t Lose Your Head è un brano alquanto stradaiolo e dall’atmosfera notturna.

9) La conclusiva Princes Of The Universe, un rock potente, drammatico & epico scritto da Freddie, resta una delle mie canzoni preferite dei Queen. Superbamente disinvolta la parte vocale, eccellente l’arrangiamento fra musica & cori, da antologia l’interludio in chiave speed-metal. In “Highlander” questa canzone è stata ottimamente scelta per musicare i titoli di testa e negli Stati Uniti è stata pubblicata come singolo. Il video di Princes Of The Universe, girato dallo stesso Russell Mulcahy come anche per A Kind Of Magic, figura diverse scene del film e la partecipazione attiva del suo protagonista, Christopher Lambert, che duella con quello che è il vero immortale… Freddie Mercury.

Non c’è traccia, invece, della cover di New York New York, brano reso celebre da Liza Minnelli: la versione dei Queen, che sul film si sente per meno d’un minuto e che costituisce un medley con A Dozen Red Roses For My Darling, non è presente in nessuna pubblicazione discografica ufficiale dei Queen. Di recente, Brian May ha parlato d’una possibile futura pubblicazione della colonna sonora di “Highlander” così come la si ascolta nel film, New York New York compresa. Speriamo bene!

A parte tutto, “A Kind Of Magic” resta un album ricco & piacevole, d’ottima fattura, in grado d’accontentare tutte le frange d’appassionati dei Queen, da quelli più metallari a quelli più sensibili alle belle melodie pop. A mio avviso, i Queen avrebbero potuto fare un lavoro più teso & drammatico, a metà fra l’hard rock di Princes Of The Universe e il sinfonismo di Who Wants To Live Forever e a discapito di momenti più pop quali Friends Will Be Friends e Pain Is So Close To Pleasure. Ma in fondo, e non mi dispiace ripeterlo, questo è l’album migliore edito dai Queen negli Ottanta e, di fatto, uno dei migliori a figurare nella loro discografia.

– Mat

Joy Division, “Unknown Pleasures”, 1979

joy-division-unknown-pleasures-immagine-pubblicaIl 18 maggio ricorre l’anniversario della tragica scomparsa di Ian Curtis, il cantante dei Joy Division. Come piccolo tributo da parte mia, oggi ripubblico una vecchia recensione (per l’occasione rivista & corretta) sul primo album della band inglese, “Unknown Pleasures”, edito dalla piccola Factory Records nel maggio del 1979.

Un vero album cult, questo “Unknown Pleasures”, un disco che di fatto ha dato vita al genere new wave, portando la musica punk verso una concezione del suono e un lirismo che all’epoca e tuttora non trova eguali. Un album intenso, oscuro, teso, viscerale ma coinvolgente e indimenticabile, costituito da dieci canzoni scritte dagli stessi Joy Division che adesso andiamo a vedere una ad una.

1) La stampa originale di “Unknown Pleasures”, quella su elleppì, non era divisa convenzionalmente in lato A e lato B, bensì in Outside e Inside. Per quanto riguarda il primo lato, Outside, si parte con Disorder, un puro brano new wave: inizia la secca e meccanica batteria di Stephen Morris, dopo sei secondi entra l’avvolgente basso di Peter Hook, a undici secondi entra il sintetizzatore, seguìto dopo sei secondi dalla tagliente chitarra – entrambi gli strumenti sono suonati da Bernard Sumner – infine, quando sono trascorsi ventotto secondi dall’inizio, ecco la voce baritonale di Ian, con quella frase indimenticabile, ‘sono stato ad aspettare una guida che venisse a prendermi per mano’. E’ una meraviglia questa Disorder, senza dubbio uno dei vertici creativi dei Joy Division.

2) Con Day Of The Lords siamo invece alle prese con un brano assai viscerale, forte d’un ossessivo ritornello nel quale Ian si chiede ‘dove andrà a finire?’. Day Of The Lords suona come se ci stessero guidando lentamente nei bassifondi della nostra coscienza. Resta un brano davvero affascinante, non c’è che dire.

3) Con una dissolvenza al contrario, ecco avanzare la notturna e riflessiva Candidate, un brano dove il baritono di Curtis fa bella mostra di sé. Candidate è il primo d’una serie di brani (fra gli altri ricordo Atmosphere, Decades e In A Lonely Place) dove i Joy Division mettono da parte le sonorità più aggressive del punk per dar sfogo ad una sensibilità più vicina alla musica ambient. Purtroppo la morte di Curtis non diede tempo alla band di approfondire quest’evoluzione sonora qui appena accennata.

4) Tornando a “Unknown Pleasures”, la canzone successiva, Insight, s’apre con un inquietante scardinamento di porte, prima che il ritmo secco & arrembante della musica entri in scena con prepotenza; elemento in primo piano è però il sintetizzatore che, oltre a regalarsi alcuni sprazzi qua e là, si ritaglia anche due brevi assoli.

5) New Dawn Fades, il brano seguente, è uno dei miei preferiti in assoluto fra quelli della scena post-punk inglese: una canzone decadente, disperata, eppure epica, potente, terribilmente magnifica. Se c’è un solo valido motivo per acquistare “Unknown Pleasures” è per potersi ascoltare New Dawn Fades a tutto volume con lo stereo!

6) La danza nevrotica di She’s Lost Control è la sonorità che inaugura il lato Inside dell’album: se la batteria di Morris tiene implacabilmente il tempo, è il basso di Hook il vero strumento melodico del pezzo, mentre Curtis ci offre una delle sue prove vocali più suggestive.

7) Con la successiva Shadowplay siamo in presenza d’un altro dei momenti migliori di questo disco, con quella che è una suprema cavalcata dark-punk: la graffiante chitarra di Sumner si prende la rivincita eseguendo memorabili assoli e riff, mentre la voce di Ian è più rabbiosa che mai.

8-9) Anche se di breve durata, Wilderness è una canzone decisamente avvolgente, una danza oscura che lascia incantati anche gli ascoltatori più smaliziati. Con Interzone si torna invece ai primi giorni dei Joy Division, quando la band si chiamava Warsaw ed eseguiva un ruvido e corrosivo punk rock: molto bello lo scambio di frasi cantate dallo stesso Ian, mixate in modo da avere una sorta di continuo controcanto.

10) Con una lunghezza prossima ai sei minuti, il brano finale, I Remember Nothing, è il pezzo più esteso dell’album: una canzone spettrale che sembra condurci lentamente in una landa desolata. E’ un brano mozzafiato, indimenticabile, che ci fa terminare l’ascolto di “Unknown Pleasures” con una punta d’inquietudine. Ma non fraintendete le mie parole… questo è semplicemente uno dei migliori dischi che la grande famiglia rock possa offrirci.

Ah, dimenticavo… di recente “Unknown Pleasures” è stato ristampato in una elegante versione deluxe con tanto di disco live aggiuntivo. La stessa operazione è stata ripetuta anche per l’album successivo, “Closer” (1980) e la compilation d’inediti e di brani live di “Still” (1981).

– Mat

Motley Crue, “Red, White & Crue”, 2005

motley-crue-red-white-crue-immagine-pubblicaFino a pochi mesi fa non sapevo praticamente nulla dei Motley Crue, giusto alcune superficiali informazioni sul fatto che la tosta band americana fosse costituita da quattro tipacci poco raccomandabili e che due di essi avessero preso in moglie quelle gran figone di Donna D’Errico e Pamela Anderson.

Un po’ di mesi fa, a gennaio se non ricordo male, in un centro commerciale m’imbattei nella raccolta “Red, White & Crue” ad un prezzo scandalosamente basso e, ingolosito anche dall’adesivo ’18 Motley Crue classics 1981-2005′, decisi di fare l’acquisto.

Se ad un primo ascolto questa selezione del materiale più in vista dei Motley Crue non m’impressionò granché – una sorta di Bon Jovi incattiviti fu il primo commento che mi venne in mente – nei giorni successivi iniziai a consumare il ciddì, sentendolo beatamente sia a casa che in auto. E quindi, insomma, una bella raccolta, quest’unico pezzo di storia motleycruiana presente nella mia collezione di dischi! Percorre tutte le fasi della carriera dei nostri, dai primi punkeggianti pezzi autoprodotti ai due inediti appositamente registrati per questo disco, passando per gli hit storici e alcune rarità.

Vediamo quindi di tracciare un breve profilo delle diciotto canzoni contenute in questa raccolta che, alla fine, dovrebbero fornire anche la storia per sommi capi del noto gruppo di hard rocker losangelini.

1) L’inizio del disco, con Live Wire, è a dir poco esplosivo: una sonorità hard punk molto professionale e notevolmente compatta per un brano coinvolgente, tirato & tosto. A questo punto penso che Live Wire sia già una delle migliori canzoni dei Motley Crue. Scritta da Nikki Sixx, bassista nonché principale autore in seno ai Motley Crue, Live Wire fa parte del primo album dei nostri, un lavoro autoprodotto e intitolato “Too Fast For Love”, pubblicato nel 1981 ma riedito l’anno dopo in grande stile quando la band firmò per una major discografica.

2-3) Altro bel brano tosto e tirato – con una superba parte chitarristica del tetro Mick Mars – è il successivo Piece Of Your Action, scritto da Nikki Sixx col cantante del gruppo, Vince Neil. Lì per lì m’irritava un po’ la cattiva vocetta adolescenziale di Vince, tuttavia ho imparato presto a considerarla parte integrante del sound dei Motley Crue. Sempre tosta & decisa – ma decisamente più tetrale e vagamente più gotica – è Black Widow, registrata sul finire del 1982 ma rimasta inedita, autoprodotta e scritta ancora da Sixx.

4) Proveniente dall’album “Shout At The Devil” (1983), ecco il rock massiccio e stradaiolo di Looks That Kill, con un Vince Neil che ci regala una prova vocale davvero impressionante in quello che è uno dei momenti più esaltanti di questa raccolta. Ancora una canzone scritta da Nikki ma prodotta da Tom Werman, col quale la band collaborerà fino al 1987.

5-6) Muscolosa & melodica al tempo stesso (una costante in gran parte del repertorio motleycruiano… insomma, la band fa casino ma è anche sensibile all’esito delle classifiche), Too Young To Fall In Love è un’altra grande prova hard rock scritta da Nikki e tratta dall’album “Shout At The Devil”. Sempre dal medesimo album – dev’essere una pietra miliare nella discografia dei Motley Crue – ecco l’omonima Shout At The Devil, la cui coralità la rende perfetta in un’esecuzione dal vivo davanti ad un pubblico rock urlante & appassionato.

7) Girls, Girls, Girls, tratta dall’album omonimo pubblicato nel 1987, è una canzone esplicitamente stradaiola: non un granché a dire il vero, un pezzo orecchiabile & coinvolgente ma arrangiato in modo aggressivo che viene salvato dalla prestazione di Mick Mars (soprattutto il bell’assolo finale). Scritta da Sixx con lo stesso Mars e il batterista del gruppo, il ben noto Tommy Lee, Girls, Girls, Girls resta tutto sommato uno dei momenti più piacevoli della raccolta.

8-9) Restiamo sulla strada con un brano che trovo molto impressionante, Wild Side, anch’esso tratto dall’album “Girls Girls Girls” e scritto dalla sezione ritmica dei Motley Crue, ovvero Sixx & Lee. Con Kickstart My Heart – uno dei brani più noti della nostra band losangelina – abbiamo la prima delle numerose collaborazioni dei Motley Crue col celebre produttore Bob Rock. Tratta da quello che molto probabilmente è il maggior successo commerciale dei nostri, l’album “Dr. Feelgood” (1989), Kickstart My Heart è un veloce & trascinante brano hard rock, irresistibilmente commerciale e corale. Sfido un qualsiasi sano appassionato di rock a restare impassibile di fronte a questa canzone, ottima soprattutto se si è alla guida.

10-11) Tratta dall’album omonimo, Dr. Feelgood è un perfetto campione per rappresentare l’hard rock commerciale americano degli anni Ottanta: molta chitarra, ritmo medio decisamente marcato, melodia facilmente riconoscibile e cori ben evidenti nel ritornello. Commerciale ma a suo modo piacevole! Scritta dal gruppo al gran completo, Primal Scream è tratta dalla precedente raccolta “Decade Of Decadence ’81-’91” (1991): segue la falsariga di Dr. Feelgood ma l’arrangiamento complessivo è ben più aggressivo.

12) Dopo tanti pezzi tosti & cattivi, ecco una dolce sequenza pianisticha che c’introduce la maestosa ballata di Home Sweet Home, una canzone che ricorda lo stile dei Queen. Originariamente pubblicata sull’album “Theatre Of Pain” (1985), questa versione della bella Home Sweet Home è un remix del 1991 precedentemente inserito in “Decade Of Decadence ’81-’91”.

13) Hooligan’s Holiday è invece l’unico pezzo tratto dall’album “Motley Crue” (1994), un disco nel quale la formazione dei nostri era composta ancora da Nikki Sixx, Mick Mars e Tommy Lee ma senza Vince Neil: il suo posto venne infatti preso da John Corabi, già cantante degli Scream. Hoolingan’s Holiday è l’unico pezzo di questa raccolta che non riesce a piacermi, col suo hard rock venato di blues e con quella voce, proprio quella ‘nuova’ di Corabi, che non sento affatto parte dello stile di questa band.

14) La formazione originale dei Motley Crue però si riformò presto, e nel 1997 uscì quindi l’album “Generation Swine”, dal quale è stata qui inclusa Beauty. Anch’essa, tuttavia, si discosta dallo stile tipico della band, con un tono basso e più misurato per la voce solista: può darsi che a cantare sia un altro del gruppo e che Vince sia confinato ai cori. Prodotta da Scott Humphrey (coautore del brano con Sixx e Lee), Beauty è una canzone né bella e né brutta che scorre via senza infamia & senza lode.

15) Nel 1998 venne pubblicata una seconda raccolta dei Motley Crue, stavolta intitolata semplicemente “Greatest Hits”: Bitter Pill ne era l’inedita ed è stata poi inclusa anche in questa che è la terza raccolta dei nostri. Qui il sound torna tipico dei Motley Crue, ed infatti Bitter Pill è stata scritta da tutti e quattro e prodotta dal fido Bob Rock. Un pezzo gradevole, più pop rock che altro, grazie ad un ritornello ruffiano e ad un appeal commerciale che la rende adatta ai passaggi radiofonici.

16) L’album successivo dei nostri volponi losangelini vede la luce nel 2000, “New Tattoo”, ma stavolta Tommy Lee non è della partita. Hell On High Heels è il singolo tratto da quell’album ed incluso in questa raccolta: prodotta da Mike Clink (noto soprattutto per aver lavorato con i Guns N’ Roses), questa canzone gradevolmente rock non è particolarmente ispirata, più che altro è suonata con mestiere e convinzione.

17-18) If I Die Tomorrow è la prima delle due nuove canzoni (prodotte ancora una volta da Bob Rock) pensate apposta per questa raccolta, dove i quattro membri storici della band sono nuovamente riuniti sotto lo stesso marchio: pubblicata anche su singolo, If I Die Tomorrow – scritta da Nikki Sixx col gruppo canadese dei Simple Plan – è una decadente ballata hard rock che mi piace moltissimo; segue & conclude il disco un’altra composizione di Nikki, Sick Love Song, ben più dura e che ricorda un po’ l’incedere della travolgente Immigrant Song dei Led Zeppelin.

Tutto sommato “Red, White & Crue” mi sembra un’ottima introduzione alla musica di questi abili mercanti di rock duro che sono i Motley Crue, dato che attraversa tutte le fasi storiche del gruppo. Per chi desideri una visione più approfondita del lavoro di questa band, consiglio invece l’edizione deluxe di “Red, White & Crue”, formata da due ciddì per un totale di trentasette canzoni, fra cui l’inedita Street Fighting Man, cover dei Rolling Stones.

– Mat

Bee Gees, “First Of May”, 1969

bee-gees-first-of-may-immagine-pubblicaBella giornata di sole, stamani. Sveglia insolitamente mattiniera per me. Primo pensiero musicale della giornata per First Of May, una delle canzoni più belle & toccanti dei Bee Gees, tratta dal monumentale doppio album di “Odessa” (1969).

Non credo che la First Of May dei mitici fratelli Gibb abbia qualcosa a che fare con la festa dei lavoratori: mi sembra piuttosto un malinconico raffronto fra i giorni felici dell’infanzia e le responsabilità dell’età adulta. Insomma, il classico tema dell’innocenza perduta, presumo.

Seppur musicalmente tipica della produzione dei Bee Gees di quegli anni – una ballata pianistica abilmente sorretta dall’orchestra – First Of May è peculiare perché il canto figura uno solo dei fratelli, Barry Gibb, e non le tipiche armonie vocali a tre. Ad ogni modo, a parte tutto, un capolavoro.

Buon primo maggio a tutti i passanti, ci si aggiorna nei prossimi giorni!

– Mat