Depeche Mode, “Wrong”, 2009

Sto apprezzando sempre di più Wrong, il nuovo singolo dei Depeche Mode, in programmazione radiofonica da qualche settimana a questa parte.

La prima volta – un mese fa – che ho ascoltato questa nuova, attesa canzone dei Depeche Mode, mi sono detto, ‘va bene, è buona, mi ricorda qualcosa dell’atmosfera di “Songs Of Faith And Devotion”.’ Invece devo dire che è proprio forte, questa Wrong, sta diventando una delle mie canzoni depechiane preferite, altrochè! Mi piace quello strisciante tempo medio – una sorta di blues elettronico – così come il canto rabbioso di Dave Gahan, mentre un sintetizzatore d’annata scandisce alcuni momenti di riflessione. E c’è molto da riflettere, perché il mitico Martin Gore, l’autore di Wrong e della maggior parte del canzoniere dei Depeche Mode, ammette d’aver sbagliato in un sacco di situazioni, anzi d’avere inerentemente qualcosa di sbagliato. Così come lo penso io di me stesso.

Martin Gore ha sbagliato, i Depeche Mode hanno sbagliato, il vostro Mat ha sbagliato… ma poi a ben vedere hanno sbagliato in molti. Hanno sbagliato gli italiani, hanno sbagliato gli europei, ha sbagliato il papa, ha sbagliato il berlusca, ha sbagliato la lega, ha sbagliato Montezemolo, ha sbagliato la Ferrari, ha sbagliato la FIA, ha sbagliato l’Istat, ha sbagliato la mafia, ha sbagliato chi ha voluto l’euro, ha sbagliato chi non ha alzato gli stipendi, ha sbagliato chi ha fatto della precarietà uno stile di vita, ha sbagliato chi non si ribella mai, ha sbagliato chi ha perso del tutto il senso critico, ha sbagliato chi si genuflette continuamente alla chiesa, hanno sbagliato i terroristi, hanno sbagliato gli americani (‘to loooooooooooong’ come fa Martin da controcanto a Dave in Wrong), ha sbagliato l’Iran, ha sbagliato la Cina, ha sbagliato Valentino Rossi, ha sbagliato il presidente della Repubblica, hanno sbagliato (e clamorosamente male) gli economisti, hanno sbagliato i medici, hanno sbagliato i tabaccai, hanno sbagliato gli spacciatori, hanno sbagliato i turisti, hanno sbagliato i rapitori, hanno sbagliato gli automobilisti, hanno sbagliato i discotecari, hanno sbagliato quelli che vedono la televisione, hanno sbagliato i registi, hanno sbagliato i blogger, hanno sbagliato gli editori, hanno sbagliato i giornalisti, hanno sbagliato gli intellettuali, hanno sbagliato gli artisti & chi più ne ha più ne metta.

E in tutto questo una canzone come Wrong mi sembra la perfetta colonna sonora. Ecco, io eleggerei Wrong dei Depeche Mode inno mondiale del 2009.

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Jimi Hendrix, “Band Of Gypsys”, 1970

Come ho già scritto in qualche altro post, non sono un grande fan dei dischi dal vivo, anche se a furia di sentire Miles Davis in tutto il suo fulgore elettrico mi sto ricredendo. Tra quei pochi live che ascolto con una certa frequenza & autentica gioia c’è “Band Of Gypsys”, l’ultimo album realizzato da Jimi Hendrix: un live muscoloso e sanguigno, insolitamente funky per chi conosce solo i tre album da studio realizzati dal celebre chitarrista mancino con l’Experience, tuttavia – forse proprio per questo – il suo disco migliore.

La nostra banda di zingari – registrata in presa diretta nel Capodanno ’70 al celebre Fillmore East di Nuova York – altro non è che un formidabile trio costituito dal bassista Billy Cox, dal batterista/cantante Buddy Miles e, ovviamente, dal chitarrista/cantante Jimi Hendrix. L’ultimo album realizzato da Jimi, s’è detto, dato che “Band Of Gypsys” venne pubblicato dalla Capitol nell’aprile 1970, cinque mesi prima della sua morte. La performance immortalata su disco comprende soltanto sei canzoni (in realtà il trio suonò per quattro set fra il 31 dicembre ’69 e il giorno dopo*), sei brani inediti (per l’epoca) che tracciavano una nuova direzione musicale per il chitarrista di Seattle: impelagato da vecchi vincoli contrattuali, in rotta col management, indeciso se resuscitare l’Experience, insoddisfatto e drogatissimo, Jimi concepì un modo più viscerale & terrestre di fare rock, con meno concessioni alla psichedelia e maggior apertura all’innata anima funk della musica nera, una dimensione sonora nella quale potesse fondere il rock col blues, il soul e – forse – anche il jazz orchestrale, tanto che Jimi Hendrix iniziò un ‘dialogo’ con Miles Davis e Gil Evans che s’interruppe solo con la prematura morte del chitarrista.

Dopodiché una marea d’incisioni inedite, più o meno autorizzate dalla famiglia Hendrix, di qualità non sempre eccelsa e, talvolta, di dubbia provenienza. Ad ogni modo, comunque, mi piace pensare che il vero testamento artistico di Jimi sia proprio “Band Of Gypsys”, l’opera incompiuta d’una grande carriera artistica rimasta a sua volta tragicamente incompiuta. Vediamo quindi le sei lunghe canzoni che compongono quest’album dal vivo.

Cantata da Jimi Hendrix con l’accompagnamento vocale di Buddy Miles, Who Knows è un’irresistibile escursione funk-blues di oltre nove minuti. La nerboruta linea di basso adottata da Billy Cox e l’implacabile batteria di Buddy sono la piattaforma di lancio da cui la chitarra del leader – viscerale & tagliente – parte per i suoi memorabili assoli. Ecco, basterebbero i nove minuti abbondanti di Who Knows per giustificare i soldi spesi per l’acquisto di questo disco.

Più fumosa e diradata l’atmosfera generale di Machine Gun, una delle tante canzoni rock ispirate alla guerra del Vietnam, all’epoca un inferno in pieno svolgimento. Il brano è una piccola epopea – dodici minuti e passa – dove la chitarra di Jimi, piena d’effetti e distorsioni, imita le incursioni aeree, i lanci di bombe e le esplosioni sul tormentanto suolo asiatico. Un pezzo straordinario, Machine Gun, una delle vette artistiche di Hendrix, secondo me.

Them Changes è la prima delle due canzoni presenti in “Band Of Gypsys” scritte da Buddy Miles. A lui spetta quindi il ruolo di cantante, in quello che è un soul-rock dalle forti venature blues e heavy, con un bel interludio dove la band cerca tutto l’appoggio del pubblico. A differenza dei due brani precedenti, Them Changes rientra comunque nella più canonica durata dei cinque minuti.

Power Of Soul presenta grossomodo lo schema dell’iniziale Who Knows: solida ritmica in tempo medio scandìta dal basso groovy di Cox e dalla batteria puntuale (ma divertita) di Miles, con Hendrix superbamente a suo agio con una chitarra che sembra squarciare la dimensione stessa del suono. Molto immediato il ritornello – ‘with the power of soul, anything is possible’ – quasi un mantra, per un brano che procede per emozionanti saliscendi e brevi sequenze stop/start.

Ben più convenzionale dei pezzi visti fin qui, Message Of Love è il momento più leggero del disco, suonato comunque con grande enfasi da un Jimi Hendrix che non si risparmia, soprattutto nel lungo assolo centrale. Ultimo in programma, We Gotta Live Together è il secondo contributo autoriale di Buddy Miles all’album, che conferma una dimensione più accessibile e apertissima all’interazione col pubblico, che pare gradire e divertirsi almeno quanto il formidabile trio che sta suonando.

Per concludere, “Band Of Gypsys” è un live album robusto e vitale, godibilissimo anche oggi, a quasi quarantanni di distanza dalla sua prima edizione, uno di quei dischi – evvivaddio – che è sempre un piacere spararsi a tutto volume con lo stereo.

(*se non ricordo male, esiste anche un cofanetto con l’esibizione integrale della Band Of Gypsys al Fillmore East)

Notiziole musicali #2

Ho letto/sentito in giro un bel po’ di notiziole musicali che hanno suscitato tutta la mia curiosità d’appassionato musicofilo. Senza inutili procrastinazioni, ecco subito un sunto di quello che più mi è piaciuto…

Sembra proprio che pure gli Stone Roses (nella foto – celebratissimi nella nativa Inghilterra, meno conosciuti nel resto del mondo, o più che altro dimenticati) si uniranno al numero sempre più crescente delle band che si riuniscono dopo anni & anni di separazione. La fine degli Stone Roses giunse fra il ’95 e il ’96 ma la loro musica non ha mai smesso di scaldare i cuori degli appassionati inglesi. Anche a me piacciono molto, nonostante è da un bel po’ che non li ascolto più. Si parla già d’un tour che Ian Brown & soci dovrebbero effettuare in estate, nonostante alcuni ingaggi già confermati in precedenza come solisti. Si vedrà, insomma, ma credo proprio che – in un modo o nell’altro – tornerranno alla carica anche gli Stone Roses.

Il grande David Sylvian ha annunciato il titolo del suo imminente nuovo album, “Manafon”, ma per ora se ne sa ben poco: sono molto curioso di ascoltarlo, se somiglia al precedente “Snow Borne Sorrow” lo compro al volo! Anche la pubblicazione del nuovo album di Peter Murphy dovrebbe verificarsi a breve, comunque il leader dei Bauhaus è in tour e sta proponendo parte del nuovo materiale.

I Simply Red – o Mick Hucknall che dir si voglia – si esibiranno a Pescara, a pochi chilometri da casa mia, il prossimo 13 luglio! Cazzo, per una volta non devo emigrare a Roma o in Emilia-Romagna per vedermi i miei artisti preferiti!! La dolce Antonella, Brother Luca & io ci saremo!

I Jane’s Addiction sono un’altra di quelle band che – dopo essere tornate dal passato – appaiono proprio in piena forma artistica: una serie di concerti in America, compreso il celebre Lollapalooza Festival (al quale dovrebbero partecipare pure i Depeche Mode), e altri assieme ai Nine Inch Nails. Inoltre, è imminente la pubblicazione d’un cofanetto retrospettivo con molto materiale inedito audio/video, in attesa d’un nuovo album che potrebbe uscire nella seconda metà dell’anno.

Anche i miei amati Tears For Fears saranno alle prese, quest’estate, con un breve tour: però le tappe sono tutte nordamericane… sob! Spero tuttavia che l’occasione sia anche un modo di tornare a scrivere nuove canzoni da far confluire in un nuovo album da studio di futura pubblicazione. Lo spero tanto!

Ha destato molto clamore l’annunciato ritorno sulle scene dell’intramontabile Michael Jackson: seguendo l’esempio di Prince, il re del pop ha programmato per l’estate una serie di spettacoli alla 02 Arena di Londra. La richiesta del pubblico è stata così entusiastica che Michael ha esteso la serie d’ingaggi, prolungandola fino ai primi mesi del 2010! Io non sono mai stato a Londra e non ho mai visto Michael Jackson dal vivo… non credo che potrò permettermelo ma… che sia la volta buona? Intanto potrebbe anche uscire l’atteso album del ritorno, il seguito dell’ormai lontano “Invincible” (2001).

A proposito di Prince, uscirà a fine mese un triplo ciddì contenente due suoi nuovi album più un terzo disco prodotto per una sua protetta, una delle sue cantanti delle quali adesso mi sfugge il nome. Il tutto alla modicissima cifra di dodici dollari! Se l’equivalente in euro sarà altrettanto vantaggioso, anche quest’ennesimo capitolo princiano farà presto la sua comparsa nella mia collezione.

I Guns N’ Roses potrebbero presto annunciare un tour estivo per promuovere “Chinese Democracy” che ha venduto ma non quanto ci si aspettasse, anche per via d’una promozione praticamente inesistente. Cercherò di seguire gli sviluppi dell’attività artistica di Axl Rose.

Il mitico Paul McCartney ha annunciato un concerto in un casinò di Las Vegas previsto ad aprile: i biglietti relativi ai 4mila posti disponibili sono spariti in sette secondi!

Questo è tutto per ora, anche se – si sa – con l’approssimarsi della bella stagione fioriscono sempre un sacco di grandi novità! Io, nel mio piccolo, aspetto con sincero interesse “Sounds Of The Universe” dei Depeche Mode e ascolto di brutto il cofanetto “The Cellar Door Sessions 1970” di Miles Davis, del quale spero di poter dare un resoconto molto presto.

– Mat

Sting, “The Dream Of The Blue Turtles”, 1985

Negli ultimi giorni sono tornato ad ascoltare frequentemente i miei dischi dei Police e di Sting (oltre che, ovviamente, quelli di Miles Davis, ormai un ascolto quasi quotidiano). In particolare, ho tirato fuori dal mobiletto dei vinili “The Dream Of The Blue Turtles”, il primo album solista di Sting, che non ascoltavo da un bel po’.

Un grande piacere risentirsi il ‘primo’ Sting, alle prese con quello che si tradurrà come il rischioso seguito di “Synchronicity”, e ancora incerto se continuare la splendida avventura avviata nel 1977 con Stewart Copeland e Andy Summers oppure tentare una volta per tutte la carriera solista (sceglierà la seconda opzione, come sappiamo…). “The Dream Of The Blue Turtles” è il primo album di una trilogia – con “…Nothing Like The Sun” e “The Soul Cages” – che farà capire a tutti che Sting è definitivamente un grande, anche lontano dall’ingombrante ombra dei Police.

In verità, Sting dichiarò che l’idea di album solista era ridicola se applicata al suo “The Dream Of The Blue Turtles”, perché realizzato col contributo fondamentale di altri cazzutissimi musicisti: il bassista Darryl Jones e il sassofonista Branford Marsalis prima di tutti, ma anche il batterista Omar Hakim e il tastierista Kenny Kirkland. Tuttavia, a parte i buoni propositi, “The Dream Of The Blues Turtles” suona inconfondibilmente come un disco di Sting, uno splendido disco di Sting, mi viene da aggiungere. Un album del quale ho memoria diretta, giacché ricordo benissimo di quando DeeJay Television, su Italia 1, trasmetteva il video di Russians – uno dei pezzi forti di quest’album – lasciando completamente incantato il settenne Mat. Una canzone epica e teatrale, Russians: solenne, impegnata contro la minaccia nucleare, tesa ad una riconciliazione fra East e Ovest al di là dell’umana follia; una delle vette artistiche dello Sting solista, Russians, peraltro basata su un noto tema di Sergej Prokoviev.

Altro pezzo forte di “The Dream Of The Blue Turtles” è pure il primo singolo estratto, il ruggente ma raffinato pop-rock di If You Love Somebody Set Them Free. Mi ha sempre convinto di meno, invece, il terzo singolo, la comunque piacevole escursione caraibica di Love Is The Seventh Wave. Ben più notevoli mi sembrano la sinistra Moon Over Bourbon Street – il cui testo (e la complessiva atmosfera gotica) è stato ispirato a Sting dalla lettura del libro “Intervista col vampiro” di Anne Rice – e il quarto singolo, Fortress Around Your Heart, dinamicamente coinvolgente & meditativa in egual misura, posta a chiusura dell’album.

Ma in mezzo troviamo altre pregevoli canzoni, tutte a testimoniare (come se ce ne fosse bisogno) la bravura di Sting come autore, cantante & musicista (qui curiosamente rinuncia al basso per passare alla chitarra): la delicata ma solenne Children Crusade, l’ipnotica We Work The Black Seam, la jazzata Consider Me Gone, il divertito (e per fortuna breve) interludio strumentale di The Dream Of The Blue Turtles, e la frenetica rilettura della poliziesca Shadows In The Rain.

A proposito di canzoni, infine, mi preme di segnalare il bel lato B del singolo If You Love Somebody, ovvero Another Day, una canzone sprecata, a mio avviso, che avrebbe meritato del tutto l’inclusione in questo che resta comunque un album bellissimo, caldo, sofisticato, commerciale ma molto intelligente.

– Matteo Aceto

Peter Murphy, “Dust”, 2002

Altro disco edito in questo decennio e particolarmente amato dal sottoscritto è “Dust”, sesto album solista di Peter Murphy, la voce storica dei Bauhaus. Se proprio non vogliamo classificarlo come il miglior album del cantante, questo è certamente il suo lavoro più ambizioso & raffinato. “Dust” è infatti una personalissima fusione fra dark, musica etnica & ambient, un disco realizzato col prezioso contributo di Mercan Dede. Il musicista turco, qui in veste di produttore assieme allo stesso Murphy, ha infatti stretto col cantante inglese una curiosa relazione artistica, all’insegna d’un reciproco scambio fra cultura occidentale & cultura mediorientale: il buon Dede, un turco residente in Canada, che realizza un disco con Peter Murphy, una gothstar inglese trasferitasi da tempo in Turchia, incidendo il tutto fra i due Paesi con musicisti (più o meno) locali.

Da questo scambio è nato “Dust”, l’album più atipico & sorprendente della discografia (solista e non) di Peter Murphy, a mio avviso il suo disco più bello. Un album lungo quasi settanta minuti e suddiviso in sette nuove canzoni (Things To Remember – Fake Sparkle Or Golden Dust? – No Home Without Its Sire – Just For Love – Girlchild Aglow – Your Face – Jungle Haze) più due del passato (My Last Two Weeks e Subway) rivisitate con la nuova estetica, per cui la durata media dei brani sfora ampiamente i sette minuti.

La bellissima voce di Peter – qui più espressiva che mai – si staglia superbamente su basi musicali eseguite con strumentazioni elettroniche, elettriche, acustiche e/o tipiche della musica (medio)orientale. Oltre ai canonici chitarra (in alcuni pezzi suonata dal grande Michael Brook), basso, batteria e tastiere, troviamo infatti il violino elettrico (suonato dal bravissimo Hugh Marsh), il violoncello, la tabla, ma anche strumenti poco noti al pop-rock come kanun, didgeridoo, ud, cumbus, ney e dolak. Oltre che tutta una serie d’effetti sonori elettronici e/o ambientali che contribuiscono enormemente alla superlativa resa sonora di “Dust”.

Un album crepuscolare, denso, a volte pure un po’ pesante all’ascolto (soprattutto per via della lunghezza complessiva), eppure molto appassionato, sofisticato e ricco di sfumature, suonato & prodotto magnificamente. Elegante anche nella confezione, con quel libretto nero dalle pagine plastificate, un libretto che Peter Murphy mi ha autografato quando ho avuto il piacere di vederlo in concerto a Roma, nel 2005, in occasione della promozione del seguito di “Dust”, il molto più convenzionalmente pop-rock “Unshattered” (2004), del quale avremo modo di parlare in un’altra occasione.

– Matteo Aceto

Diamo un voto ai dischi dei Pink Floyd

Sul bel blog dell’amico Silvano ho trovato – QUI – un interessante sondaggio sui Pink Floyd: si tratta di dare un voto da 1 a 10 per ogni album da studio e dal vivo pubblicato ufficialmente dal celeberrimo gruppo inglese fra il 1967 e il 2000 (sono escluse le raccolte e la colonna sonora del film “Zabriskie Point”). Il post di Silvano ha risvegliato la mia voglia di parlare di musica e così, invece di lasciare un semplice commento, ho pensato di provare a dire la mia con questo post. Premetto che da sempre i Pink Floyd sono uno dei miei gruppi preferiti, perciò è difficile da parte mia dare giudizi spassionati sui loro dischi: come per la lista delle canzoni dei Beatles, non sono sempre sicurissimo delle mie valutazioni. Questo post è un modo, più che altro, di fissare certi punti e di tentare di razionalizzare (anche col vostro aiuto, se vorrete) certe preferenze. Tutti i dischi sono presentati di seguito in rigoroso ordine cronologico.

“The Piper At The Gates Of Dawn” (1967)
Brani celebri: Astronomy Domine, Interstellar Overdrive
Formazione: Syd Barrett, Nick Mason, Roger Waters, Richard Wright
Matvoto: un lavoro segnato dallo stile di Syd, diverso da tutto ciò che i nostri hanno realizzato in seguito (ma anche diverso dal materiale solista barrettiano). Un debutto coi fiocchi in piena era psichedelica, fra tanti altri eccitanti debutti discografici. 8/10.

“A Saucerful Of Secrets” (1968)
Brani celebri: Set The Controls For The Heart Of The Sun, A Saucerful Of Secrets
Formazione: Syd Barrett, David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters, Richard Wright
Matvoto: un album di transizione, con Syd presente solo in alcuni brani e Dave non ancora ben integrato nel gruppo. Non mancano però le belle canzoni. 7/10

“Music From The Film More” (1969)
Brani celebri: Green Is The Colour, The Nile Song
Formazione: David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters, Richard Wright
Matvoto: colonna sonora d’un oscuro film psichedelico, interessante per certe anticipazioni sulla musica futura della band. Tuttavia non risulta un ascolto particolarmente esaltante. 6/10

“Ummagumma” (1969)
Brani celebri: Grantchester Meadows, Sysyphus, più selezione dal vivo
Formazione: David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters, Richard Wright
Matvoto: il primo doppio album dei Pink Floyd, un elleppì di materiale dal vivo e un elleppì con inediti da studio. Tanto bello il primo disco quanto discutibile il secondo (non ho mai capito se sia una genialata o una porcheria, mi piacerebbe dedicargli un post prima o poi). Nel dubbio, complessivamente… 7/10.

“Atom Heart Mother” (1970)
Brani celebri: Atom Heart Mother, If
Formazione: David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters, Richard Wright
Matvoto: il primo grande capolavoro floydiano. Ne ho ampiamente parlato in un post. 10/10.

“Meddle” (1971)
Brani celebri: One Of These Days, Echoes
Formazione: David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters, Richard Wright
Matovoto: contiene alcuni degli episodi più salienti della discografia floydiana ma le buone idee non sono equamente ripartite fra le canzoni. 8/10.

“Obscured By Clouds” (1972)
Brani celebri: Free Four, Stay
Formazione: David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters, Richard Wright
Matvoto: colonna sonora del film “La Vallée”, seguito filmico di “More”. Un lavoro deboluccio, eppure anticipatore anch’esso dei futuri percorsi floydiani. 5/10.

“Dark Side Of The Moon” (1973)
Brani celebri: Money, Time, Breathe, The Great Gig In The Sky, Us And Them
Formazione: David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters, Richard Wright
Matvoto: anche in questo caso ne ho già parlato. Un capolavoro, senza dubbio. Il mio voto non è il massimo solo perché – secondo me – pecca un po’ d’artificiosità. 9/10.

“Wish You Were Here” (1975)
Brani celebri: Shine On You Crazy Diamond, Wish You Were Here
Formazione: David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters, Richard Wright
Matvoto: ho già parlato anche di quest’altro capolavoro. 10/10.

“Animals” (1977)
Brani celebri: Sheep, Dogs
Formazione: David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters, Richard Wright
Matvoto: un ottimo album che ha avuto la sfortuna, se così si può dire, di essere stato pubblicato fra due capolavori più grandi di esso. Cercherò di parlarne più dettagliatamente in futuro. 8/10

“The Wall” (1979)
Brani celebri: Another Brick In The Wall, Comfortably Numb, Run Like Hell, Mother
Formazione: David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters, Richard Wright
Matvoto: se mi costringessero a valutare una sola opera dei Pink Floyd col termine di capolavoro non avrei dubbi: è questo. 10/10.

“The Final Cut” (1983)
Brani celebri: Not Now John, The Final Cut, The Gunner’s Dream
Formazione: David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters
Matvoto: un album sottovalutato (perché molto più watersiano che floydiano… e non mi sembra manco questo gran difetto…), in realtà uno dei dischi più belli, potenti e toccanti e io possa vantare nella mia collezione di dischi. Ne parlerò più dettagliatamente in futuro. 9/10

“A Momentary Lapse Of Reason” (1987)
Brani celebri: Learning To Fly, On The Turning Away
Formazione: David Gilmour, Nick Mason, Richard Wright
Matvoto: il primo capitolo della storia floydiana del post-Waters. Ne ho già parlato. 7/10

“Delicate Sound Of Thunder” (1988)
Brani celebri: selezione dal vivo
Formazione: David Gilmour, Nick Mason, Richard Wright
Matvoto: primo vero album dal vivo nella discografia floydiana (ma Roger non c’è più e si sente). Preso per quello che è, questo live doppio non è certamente cattivo però, nella grande discografia del gruppo, è totalmente trascurabile. 6/10

“The Division Bell” (1994)
Brani celebri: High Hopes, Keep Talking, Coming Back To Life
Formazione: David Gilmour, Nick Mason, Richard Wright
Matvoto: un disco di alto livello del quale, anche in questo caso, ci siamo già occupati. 8/10.

“Pulse” (1995)
Brani celebri: selezione dal vivo
Formazione: David Gilmour, Nick Mason, Richard Wright
Matvoto: eccellente sintesi dal vivo del tour floydiano da supporto a “The Division Bell”. Ottima l’idea d’includere l’esecuzione integrale di “Dark Side Of The Moon” che la band effettuava in quei concerti. 8/10

“Is There Anybody Out There?: The Wall Live 1980-1981” (2000)
Brani celebri: selezione dal vivo
Formazione: David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters, Richard Wright
Matvoto: un doppio ciddì da urlo, ampiamente discusso qualche tempo fa. 10/10.

– Matteo Aceto

The Cure, “Bloodflowers”, 2000

Uno dei dischi che più amo fra quelli usciti nel decennio che ormai volge al termine è “Bloodflowers”, undicesimo album da studio dei Cure. Dopo averlo comprato & ascoltato un’infinità di volte, ho avuto una specie di disinteresse per la carriera successiva del gruppo di Robert Smith, perché in molti sensi giudico “Bloodflowers” un lavoro definitivo, il punto d’arrivo d’una splendida avventura iniziata con “Three Imaginary Boys” (1979).

Non a caso, “Bloodflowers” è l’ultimo album dei Cure uscito per la storica Fiction Records, l’etichetta che li aveva lanciati oltre vent’anni prima. Un album anticommerciale, “Bloodflowers”, prevalentemente lento, sofferto ma melodico, pieno di rimpianti e di sentimenti depressogeni, eppure ricco di visioni poetiche e d’invocazioni d’amore, nonché di voglia di cambiamento – pur se accettando la realtà del mondo per quella che è. Un album, “Bloodflowers”, pubblicato all’inizio d’un nuovo secolo, il 2000, e giunto nelle rivendite senza l’accompagnamento di videoclip promozionali, né singoli estratti, un lavoro da prendere così com’è, lo si odia o lo si ama, non si scende a compromessi.

Per molti aspetti, ritengo “Bloodflowers” il miglior lavoro dei Cure, l’album della definitiva maturità, un album piacevolmente deluso, un set di nove canzoni che ci trasportano alla deriva, fra la tranquillità della vita domestica e il tumultuoso flusso di coscienza, a metà fra il sonno e la veglia. Nove canzoni dove la band si prende tutto il tempo che vuole, con lunghe introduzioni e ampi passaggi strumentali intermedi, raggiungendo agilmente i cinque, i sette o addirittura gli undici minuti di durata.

La genesi di “Bloodflowers” ha un inizio preciso: 21 aprile 1998, giorno del trentanovesimo compleanno di Robert Smith, cantante, chitarrista e grande anima dei Cure. E’ in quel giorno che Robert compone fra le mura di casa il primo brano di “Bloodflowers”, un pezzo dolente & rabbioso, chiamato per l’appunto 39, dove il musicista ammette che il fuoco si è quasi spento, nonostante nella sua vita non avesse fatto altro che alimentare quel fuoco. Per altre idee musicali da destinare al nuovo album, Smith sembrerà fare anche ricorso alla celebre Burn, scritta per la colonna sonora de “Il Corvo”, rallentando la musica & estendendone i confini fino a renderla più eterea.

Ad ogni modo, di lì a poco il buon Robert darà vita – con gli altri componenti della band, il cui contributo sarebbe ingiusto ignorare – alle altre canzoni del primo album dei Cure per il nuovo secolo: delle gemme di grande bellezza quali l’amabilmente desolata The Last Day Of Summer, la romantica e toccante There Is No If… (la canzone più corta dell’album, con quattro minuti scarsi), l’ipnotica ma dolcissima The Loudest Sound, la stessa Bloodflowers, una drammatica e intensa dichiarazione d’amore, fra le più belle canzoni dei Cure in assoluto. E poi l’epico dark-rock di Watching Me Fall (ben undici minuti & passa di durata!), la sognante Out Of This World, posta efficacemente come brano d’apertura, e le più convenzionalmente pop-rock Maybe Someday e Where The Birds Always Sing, comunque ben diverse dagli episodi più smaccatamente pop dei Cure anni Ottanta e Novanta.

Per me “Bloodflowers” è un disco magnifico, un capolavoro che ascolto sempre con grande trasporto & con immutato interesse. Spesso mi fa dimenticare che i Cure hanno fatto altri dischi dopo di questo.

– Matteo Aceto