Gorillaz, “Plastic Beach”, 2010

Non ho proprio resistito: ho sborsato quattordici euro & novanta centesimi e ho comprato “Plastic Beach” dei Gorillaz! Il fatto è che il terzo album della cartoon band capitanata da Damon Albarn è uno di quei dannati dischi che migliorano un po’ di più ad ogni ascolto.

E così, dopo un po’ che mi trastullavo con insoddisfazione crescente con gli mp3 scaricati dalla rete, ho infine deciso di recarmi al vicino negozio di dischi per portarmi a casa una copia originale.

C’è da dire, inoltre, che l’inglese Damon Albarn, classe 1968, già nei Blur ma anche artefice dell’eccellente “The Good, The Bad And The Queen”, è un musicista molto eclettico che sembra diventare via via più bravo col passare degli anni. Di fatto, la sua contaminatissima musica pubblicata a nome Gorillaz mi sembra una delle cose più eccitanti uscite da dieci anni a questa parte.

E così, dopo due album interessanti come l’eponimo “Gorillaz” del 2001 e “Demon Days” del 2005, eccoci al terzo capitolo della saga, “Plastic Beach” per l’appunto. Sono stato conquistato dal recupero delle sonorità technopop anni Ottanta, miste a rap da strada, elettronica e sonorità orientaleggianti. E dai molti ospiti presenti: si va da Lou Reed a due ex componenti dei Clash, ovvero Mick Jones e Paul Simonon, passando – fra i tanti – per Bobby Womack, Mos Def, De La Soul, Snoop Dogg e Little Dragon.

“Plastic Beach” offre sedici brani in tutto, per un totale di quasi un’ora di musica. Per quanto mi riguarda, le canzoni migliori sono proprio quelle che si rifanno alle sonorità anni Ottanta, come il baldanzoso elettropop di Rhinestone Eyes, la dinamica On Melancholy Hill (che se non fosse per l’inconfondibile voce di Albarn, dolce e malinconica, si potrebbe spacciarla per un pop d’annata degli Human League o degli Yazoo), la notevole Empire Ants (divisa in due parti, la prima più meditabonda cantata da Damon e la seconda ben più movimentata affidata alla voce suadente di Yukimi Nagano, la cantante dei Little Dragon) e soprattutto Stylo, edita come singolo apripista. Senza dubbio il pezzo forte dell’album, Stylo vede intrecciarsi le voci di Mos Def, Damon Albarn e Bobby Bomack su un tappeto propulsivo meravigliosamente ‘eighties’.

Ma “Plastic Beach” offre anche molto rap, fin dalle battute iniziali, affidate a Welcome To The World Of The Plastic Beach. Nel brano, preceduto dal breve Orchestral Intro, è il noto rapper Snoop Dogg a fare la parte da protagonista, mentre l’esotica White Flag ci offre un duetto fra Bashy e Kano. Sweepstakes, altra collaborazione fra i Gorillaz e Mos Def, è invece un rap piuttosto nevrotico e ossessivo.

Accanto ad episodi più marcatamente pop (per quanto sempre molto contaminati) come Superfast Jellyfish, Some Kind Of Nature, To Binge, Plastic Beach e Pirate Jet, troviamo anche sperimentazioni elettroniche con Glitter Freeze (uno strumentale scritto ed eseguito dai Gorillaz con Mark E. Smith dei Fall) e brani più contemplativi come Broken e Cloud Of Unknowing (affidata alla voce di Womack).

In definitiva, “Plastic Beach” è un album divertente e coinvolgente, buono da ascoltare sia a casa che in macchina. Come detto, è uno di quei dischi che si fanno svelare e apprezzare di più ad ogni ascolto, per cui ogni eventuale aggiunta dei lettori fra i commenti sarà gradita. – Matteo Aceto

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Ritorni parziali

Mai come negli ultimi anni si sono visti ritorni (più o meno illustri) di band attive in un passato più o meno recente. Ha fatto clamore, per esempio, la reunion dei Police nel 2007, generando un fortunatissimo tour mondiale conclusosi lo scorso agosto. La formazione dei Police era quella classica, quella storica di sempre, vale a dire Stewart Copeland, Sting e Andy Summers. Stessa cosa si può dire dei Sex Pistols, che nella formazione originale composta da John Lydon, Steve Jones, Paul Cook e Glen Matlock è tornata a proporre dal vivo il suo punk irriverente in giro per il mondo.

Negli ultimi anni si sono riviste in azione le formazioni originali anche nel caso dei Duran Duran, degli Eagles (vabbé mancava Don Felder ma non se n’è accorto nessuno), dei Genesis formato trio, dei Cream, dei Verve, degli Stone Temple Pilots, ma anche dei Take That (quelli dell’ultima formazione, senza Robbie Williams), delle Spice Girls e addirittura degli Yazoo. Anche la classica formazione a quattro dei Pink Floyd, seppur per il solo evento benefico del Live Eight. Tuttavia non è stato affatto infrequente il caso di nomi celebri che, resuscitati dal passato fra mille clamori, presentavano in realtà solo alcuni dei componenti originali della band, con gli altri a volte rimpiazzati da autentici sconosciuti. E’ il caso dei Supertramp, degli Who, dei Queen, dei Guns N’ Roses, dei Cult, degli Smashing Pumpkins, dei Led Zeppelin, degli INXS e recentemente degli Alice In Chains (nella foto).

E’ proprio di questi giorni, infatti, la notizia che gli Alice In Chains, dopo essersi riformati qualche anno fa per una serie di concerti, stanno per tornare con un nuovo album di materiale inedito, il primo dai tempi dell’album eponimo del 1995: il tutto dopo aver superato lo shock della morte del cantante Layne Staley nel 2002 e l’ingaggio d’un suo sostituto, lo sconosciuto (a me) William Duvall.

Ora, da gran patito di musica ma anche di storia & storiografia, mi chiedo che legittimità abbiano queste reunion parziali, questi acclamati ritorni che figurano due o a volte anche uno solo dei componenti originali di un gruppo. A giudicare da quello che è successo ai Queen – che non solo hanno continuato senza Freddie Mercury rimpiazzandolo con Paul Rodgers, ma hanno serenamente fatto a meno di John Deacon – e dal successo che hanno ottenuto nei loro ultimi tour in giro per il mondo, penso che la differenza la faccia il celebre marchio: non importa chi vi sia dietro, quali musicisti stanno effettivamente suonando sul palco, ciò che conta è la consapevolezza che stiamo assistendo al concerto di un celebre nome del rock.

E così benvengano due Queen originali su quattro, due Who su quattro, due Doors (con buona pace di quelli che dicono che Jim Morrison sia ancora vivo) su quatro, due Smashing Pumpkins su quattro, tre Alice In Chains su quattro, ma anche un solo Guns N’ Roses su cinque. E’ ovvio che fa sempre piacere sentire dal vivo le nostri canzoni preferite anche se nel gruppo ricomposto c’è un solo ‘vecchio’ ma, non so, mi sembra che tutto questo revival sia poco dettato dalla nostalgia. Il vero motivo, secondo la mia modesta opinione, è uno solo, il più classico: i soldi. Unito ad un altro di fondo… la mancanza di coraggio, di andare avanti per la propria strada con progetti solistici che spesso & volentieri hanno molta più dignità di questi ritorni parziali. A questo punto lasciamo pure che Paul McCartney, dopo essersi assicurato Ringo Starr alla batteria, se ne vada in giro con una band facendosi chiamare The Beatles. Non se ne scandalizzerebbe quasi nessuno e gli stadi sarebbero pieni.. beh, forse in quel caso, mascherato & mimetizzato fra la folla urlante, ci sarebbe anche il sottoscritto. – Matteo Aceto

Questa, poi… tornano pure gli Yazoo!

Questa, poi, non l’avrei mai nemmeno immaginata! Nel 2008 assisteremo pure al ritorno degli Yazoo, duo elettropop dei primi anni Ottanta formato dal tastierista Vince Clarke, all’epoca in fuga dai Depeche Mode, e dalla bravissima cantante Alison Moyet.

I redivivi Yazoo torneranno in azione per un breve tour inglese, a partire dal prossimo 4 giugno, ma non è detto che non faranno qualche tappa nell’Europa continentale nel corso dell’anno. Chissà, staremo a vedere.

Il duo pop si formò all’indomani della dipartita di Vince dai Depeche Mode, dopo che ebbe scritto la maggior parte del loro primo album, “Speak & Spell” (1981). Ingaggiata così la Moyet, se non erro una compagna di scuola di qualche Depeche Mode, gli Yazoo debuttarono nel 1982 con l’album “Upstairs At Eric’s”, forte dei singoli Don’t Go e Only You. L’anno successivo pubblicarono “You And Me Both”, un album che volò al 1° posto della classifica inglese e del quale ricordo il bel singolo Nobody’s Diary. Ho entrambi questi album, su vinile, e credo che qualsiasi fan dei Depeche Mode dovrebbe almeno provare ad ascoltarli, in particolare “Upstairs At Eric’s” che suona esattamente come il seguito di “Speak & Spell” (più di quanto suoni “A Broken Frame”, il disco che i redivivi Depeche Mode diedero alle stampe nel 1982).

Dopodiché Vince Clarke sciolse la collaborazione con Alison Moyet e così, mentre lei diede vita ad una carriera solista abbastanza brillante (soprattutto nella parte restante degli anni Ottanta), lui fondò gli Erasure col partner Andy Bell, altro duo elettropop attivo tuttora.

In occasione dell’inaspettata (per me…) reunion degli Yazoo, verrà pubblicato un cofanetto con la produzione edita & inedita del duo. Per tutte le altre informazioni rimando però al sito ufficiale, che cercherò di tenere d’occhio nei prossimi mesi. – Matteo Aceto

Depeche Mode: storia e discografia

Basildon, Inghilterra, 1980, tre compagni di scuola – Vince Clarke, Andy Fletcher e Martin Gore – stanno cercando un cantante per il loro gruppo, i Composition Of Sound, che adotta una strumentazione completamente elettronica fatta di tastiere e sintetizzatori. Il cantante in questione si rivela essere Dave Gahan, il quale propone anche un nuovo nome per la band, ovvero Depeche Mode: pare rifarsi a una rivista di moda francese, tale Mode Depeche, cioè ‘moda spicciola’, ‘moda veloce’.

I Depeche Mode debuttano quindi discograficamente col brano Photographic, incluso in una compilation d’artisti vari per l’etichetta Some Bizarre, ma la svolta avviene dall’incontro con Daniel Miller, proprietario dell’etichetta Mute, casa per la quale i nostri hanno incideranno fino al 2009 (nonostante il marchio sia stato precedentemente acquistato dalla EMI). Nel febbraio ’81, quindi, esce il singolo Dreaming Of Me, seguìto qualche mese più tardi dall’album “Speak & Spell”. Da questo primo album dei Depeche Mode vengono estratti i singoli New Life e la famosa & scanzonata Just Can’t Get Enough che permettono a “Speak & Spell” di piazzarsi nella Top Ten inglese.

Tuttavia, poco prima delle registrazioni per il secondo album, Vince Clarke abbandona la band: Vince è a quel punto il tastierista più abile nonché l’autore delle canzoni (Martin Gore scrive solo un paio di brani su “Speak & Spell”) e i Depeche Mode sono dati già per spacciati. Vince se ne va per fondare gli Yazoo con la bravissima Alison Moyet (più tardi The Assembly con Feargal Sharkey e poi, definitivamente, gli Erasure con Andy Bell) mentre i Depeche Mode decidono di andare momentaneamente avanti come trio, con Martin ad assumersi l’intera responsabilità compositiva. E’ come trio che la band realizza così “A Broken Frame”, pubblicato nel 1982: il singolo See You fa addirittura meglio di Just Can’t Get Enough in classifica, restituendo fiducia alla band. Ma è con l’ingresso nella formazione di Alan Wilder – abilissimo tastierista, pianista e percussionista, nonché fine arrangiatore – che i Depeche Mode iniziano a puntare in alto: pubblicano il singolo Get The Balance Right (gennaio ’83) e approntano del nuovo materiale, togliendosi di dosso una volta per tutte le sonorità più smaccatamente pop e adottando uno stile più dark e sperimentale. Nel corso dell’anno esce quindi “Construction Time Again”, preceduto da uno dei singoli più famosi dei nostri, Everything Counts. In questo terzo album, mixato a Berlino, è prevalente l’uso dei campionatori: il brano Pipeline, cantato da Martin, è realizzato totalmente con queste macchine; uno stile che sarà ancora più evidente nel successivo “Some Great Reward”, album che vede la luce nel 1984.

“Some Great Reward” si spinge oltre i confini raggiunti con “Construction Time Again”: inciso a Berlino, il suono complessivo dell’album è più duro, più metallico e dalle tematiche più cupe. Brani come i singoli People Are People, Master And Servant e Blasphemous Rumours sono la perfetta combinazione tra elettronica, industrial e pop di classe; ma non mancano i momenti romantici, come la toccante Somebody, cantata da Martin. “Some Great Reward” estende la notorietà del gruppo ma segna anche un punto di non ritorno per i Depeche Mode: nel 1985 pubblicano infatti una raccolta, “The Singles 81>85”, che capitalizza il successo acquisito presentando anche due nuovi brani, la ritmata It’s Called A Heart e soprattutto la bellissima Shake The Disease. Il tempo della maturità è finalmente giunto.

Nel marzo ’86 esce un singolo strepitoso, Stripped: i Depeche Mode non avevano mai pubblicato niente di simile, un mix fra musica ambient, ritmi orientali, campionamenti e atmosfere dark ed intimiste, con quell’incrocio finale tra le voci di Gahan e Gore che mette i brividi. Stripped fa da apripista al nuovo album, il grandioso “Black Celebration”, che porta i Depeche Mode al 3° posto della classifica inglese. Oltre ad essere una pietra miliare nella carriera dei Depeche Mode, “Black Celebration” chiude anche un’altra importante fase: è l’ultimo album a figurare un contributo autoriale di Alan Wilder (da qui in avanti tutto il resto sarà scritto da Martin), l’ultimo ad avvalersi della preziosa collaborazione tecnico-sperimentale di Gareth Jones, l’ultimo a figurare nella produzione anche Daniel Miller. Ma è anche il primo album che apre la lunga e prolifica collaborazione dei Depeche Mode col noto fotografo/videomaker Anton Corbijn: insieme girano l’ultimo estratto di “Black Celebration”, A Question Of Time, con Corbijn che col tempo diverrà il direttore d’immagine della band.

Nel 1987 i Depeche Mode sono al lavoro col produttore Dave Bascombe: ne esce il miglior album degli anni Ottanta per la band, ovvero “Music For The Masses“, supportato da due singoli incredibilmente potenti e melodici come Strangelove e Never Let Me Down Again (quest’ultima è una delle canzoni che più amo in assoluto). Segue un fortunatissimo tour internazionale che culmina nel luglio 1988 al Pasadena Rosebowl Stadium (California), di fronte a 72mila fan estasiati. Il tutto viene immortalato dal film e dal doppio elleppì “101”, entrambi usciti nel 1989. Ma i Depeche Mode non dormono sugli allori: già ad agosto esce infatti Personal Jesus, uno dei loro singoli più famosi e fortunati, mentre il gruppo si getta a capofitto nell’incisione del prossimo album, realizzato con la produzione di Flood.

Anticipato dalla superlativa Enjoy The Silence (forse la canzone più famosa e rappresentativa dei nostri), edita come singolo nel febbraio ’90, “Violator” conduce i Depeche Mode al 2° posto della classifica britannica. E’ l’album della band che amo di più, per me è il loro biglietto da visita, quello che contiene, oltre a Personal Jesus ed Enjoy The Silence, alcune delle migliori canzoni dei Depeche in assoluto, come The Sweetest Perfection, Policy Of Truth, Clean, Halo e la ballata d’atmosfera Blue Dress… dimenticavo Waiting For The Night, duetto suggestivo tra Martin e Dave. Insomma, un gran bel disco! Il World Violation Tour ha successo in tutto il mondo e i Depeche Mode sono invitati dal regista Wim Wenders a fornire una canzone per il suo film “Fino alla Fine del Mondo”: anche Death’s Door, cantata da Martin, è una gran bella canzone, testimoniando ancora una volta un periodo di grande forma compositiva ed espressiva della band.

Periodo che prosegue nel corso del 1992, mentre i Depeche Mode sono impegnati tra Spagna e Germania per il nuovo album, ancora con Flood alla console. Ma in realtà ci sono alcune crepe: Dave dichiara che non è più interessato a fare brani danzerecci coi Depeche Mode, vedendo nella nascente scena ‘alternative’ americana il futuro della musica. Ed è proprio di genere ‘alternative’ il nuovo miracolo dei Depeche Mode: pubblicato nella primavera del ’93, “Songs Of Faith And Devotion” giunge al 1° posto sia in patria che negli USA. Promosso da cinque singoli straordinari (I Feel You, One Caress, Walking In My Shoes, Condemnation e In You Room), il nuovo album – che contempla l’uso di chitarre, batterie, orchestre e coriste – viene supportato con un tour lungo un anno e mezzo che porta praticamente i Depeche Mode in ogni angolo del pianeta. Ma la stanchezza e gli eccessi si fanno sentire: dopo il Devotional Tour, Dave Gahan, ormai tossicodipendente, tenta il suicidio mentre Alan Wilder decide di lasciare il gruppo nel giugno ’95. Ancora una volta i Depeche Mode sono dati per spacciati ma ancora una volta la storia smentirà tutte le peggiori ipotesi.

Anche col formidabile Wilder fuori dai ranghi, i Depeche Mode tornano in azione nel febbraio ’97, col potente singolo Barrel Of A Gun. Poi è la volta d’un altro singolo, il fortunatissimo It’s No Good, e finalmente del nuovo album, “Ultra“. Seguìto da altri due singoli eccezionali, Home e Useless, “Ultra” si rivela un successo mondiale confermando ancora una volta l’amore incrollabile dei fan per i propri beniamini. Dave Gahan si è ripulito una volta per tutte e nel 1998 la band è pronta per tornare in pista: un tour in grande stile promuove in tutto il mondo la nuova raccolta dei Depeche Mode, “The Singles 86>98”, un altro grande successo. La storia si ripete anche all’uscita dei due successivi album in studio della band, “Exciter” (2001) e “Playing The Angel” (2005, album che per la prima volta si avvale anche del contributo autoriale di Dave): singoli molto validi e performance generose fanno dei Depeche Mode uno dei gruppi più amati e credibili dell’odierna scena musicale.

Mentre la band terminava il Playing The Angel tour (anch’io c’ero il 17 luglio 2006 allo stadio Olimpico di Roma), la Mute ripubblicava tutti gli album da studio dei Depeche Mode remasterizzati, mentre in autunno usciva una raccolta comprensiva del periodo 1981-2005 più un brano inedito, Martyr. Dopo alcune escursioni solistiche (ricordo il bell’album di cover realizzato da Martin Gore nel 2003, “Counterfeit2”, i due album realizzati dal solo Dave Gahan tra il 2003 e il 2007, e anche il progetto Client curato da Andy Fletcher), i Depeche Mode sono tornati in grande stile nel 2009 con un nuovo album, “Sounds Of The Universe”, e un nuovo tour internazionale di grande successo.

Gli anni Dieci del nuovo millennio hanno visto un riavvicinamento alla band non solo di Alan Wilder ma addirittura anche di Vince Clarke: se entrambi hanno curato un remix a testa per un’antologia tematica dei Depeche Mode, Vince ha perfino realizzato un album con Martin, un curioso album techno chiamato “Ssss” e pubblicato nel 2012. Ad ogni modo, già l’anno successivo i Depeche Mode come gruppo sono tornati in azione con l’album “Delta Machine“, il primo dopo il prestigioso passaggio alla Sony, e la relativa tournée mondiale.

Anticipato dal singolo Where’s The Revolution, il nuovo album “Spirit” ha invece visto la luce nel marzo 2017, con i Depeche Mode già in fase di riscaldamento per un nuovo tour mondiale. Se gli spettacoli dal vivo sono come sempre stati accolti calorosamente dal pubblico, non così si può dire di “Spirit”. Secondo la mia modesta opinione, l’album è il peggiore dei nostri. Considerando tuttavia i tempi lunghi tra un album e l’altro, spero con tutto il cuore di ritrovare i Depeche Mode in forma migliore nel disco che dovrebbero far pubblicare nel 2021. [ultimo aggiornamento: 23 giugno 2018]

-Matteo Aceto

DISCOGRAFIA

Speak & Spell (1981)

A Broken Frame (1982)

Construction Time Again (1983)

Some Great Reward (1984)

Black Celebration (1986)

Music For The Masses (1987)

Violator (1990)

Songs Of Faith And Devotion (1993)

Ultra (1997)

Exciter (2001)

Playing The Angel (2005)

Sounds Of The Universe (2009)

Delta Machine (2013)

Spirit (2017)